POP DEUTSCH Die Künstler A-Z im Überblick

POP DEUTSCH Die CD's mit Produkt- und Künstlerinfos

Das von der Presse hochgelobte Münchner Duo Kupfer geht mit seinem zweiten Album an den Start. Songs mit wunderbar eigensinnigen Texten, treibenden Pianopassagen, groovigen und folkig melancholischen Gitarren, frischen Drums und durchaus intensiven Botschaften.

Die Songschreiber, Produzenten und Langzeitkumpanen Stefan Weyerer und Nick Flade beschäftigen sich auf ihrem zweiten Werk mit der Welt „da draußen“ und ihrem Spiegelbild in unserem Inneren. Das tun sie wie gewohnt energiegeladen, positiv, berührend und mit Tiefe. In den zehn zumeist deutschsprachigen Songs vereint sich der Kupfer-Retro-Synthie-Sound geschmeidig mit großen Zeilen. „Der Mainstream ist heute über die Ufer getreten, ich hab uns Schwimmwesten gereimt“ heißt es z.B. in „Steilwandkurvenstar“ und „Das System ist nur ein aufgeblasener Angeber vom Land“ im Song „Superträumer“.

„Unser Albumtitel mag hippiemäßig naiv klingen. Warum wir ihn trotzdem gewählt haben? Davon und von vielem anderen erzählen unsere neuen Songs“, so Sänger und Gitarrist Weyerer.

Biografie

Flade und Weyerer lernten sich kennen, als die damalige „Kapelle Weyerer“ die Tourband der Sängerin und Schauspielerin Jasmin Tabatabai war. Seit dem letzten Album seiner „Kapelle Weyerer“ (die CD gibt's hier bei "best around") ließ sich „Indie-Poet“ Weyerer Zeit für ein neues Projekt und gründete Kupfer.

Außerdem schreibt er (auch international prämierte) Filmmusik für`s Independent Kino und produziert Alben und Songs anderer Künstler. Er arbeitet als Studio- und Livemusiker auch über die Grenzen des Pop hinaus. In eigener Sache und als Sideman war er live schon in ganz Europa und den USA unterwegs.

Nick Flade war schon mit 17 Jahren als Live- und Sessionmusiker gefragt. Inzwischen ist er auch international gebucht. Auf der Bühne war er in den letzten Jahren u.a. mit Chaka Khan, Mike Stern oder lokalen Größen wie Willy Astor und Ganes zu hören. Auch er ist als Produzent vielbeschäftigt.

Logisch, dass die beiden Kupfer-Protagonisten ihre Songs selbst produzieren und auch fast alle Instrumente selbst einspielen.

“Da steht einer, der die Ungereimtheiten des Lebens besser in Worte fassen kann als alle Söhne Mannheims zusammen“ schwärmt die Süddeutsche Zeitung von Stefan Weyerer und schreibt weiter: „berückend verrückt“.

Zusammen mit seinem Kollegen und Kumpan, dem Multiinstrumentalisten und Produzenten Nick Flade packt der Ex-Berliner Münchner nun die großartigen Weyererschen Textwelten in ein neues „shabby chiques“ Klanggewand: Da trifft Singer/Songwriter auf Beat, Retro-Elektroniksounds und ein 70`er Jahre Oldschool Stagepiano. Lässig und berührend.

Der „fette Tanz“ macht Spass, scheut sich nicht in die Untiefen zu blicken und strotzt nur so vor Originalität. „Nur mitten rein in den ganzen Tanz, aber nicht überrollen lassen!“ lautet die Devise. Auf dem Debutalbum des Duos findet man groovende Protestsongs wie die „Welt als Wolf“, Liebesanträge der ganz eigenen Art in „Alleinsein tut nicht Not“ oder die lapidare Feststellung „Normalsein ist Wahnsinn“. Mit viel Esprit kratzt der „Fette Tanz“ am ohnehin porösen Lack der Zeit und findet unter vielen Schichten und hinter trügerischen Masken einen Glanz, der strahlt. Live wartet KUPFER! mit Verstärkung an den Drums auf.

Das zweite Kapelle Weyerer Album ist eine Liebeserklärung an die Sehnsucht, das Zerrissene, den Ungezähmten Teil und das Unstillbare in uns. Großartige Texte von ungewöhnlicher Poesie eingebettet in Elemente des Singer - Songwritertums des Fusion und des Indiepop. Ein Teil der Aufnahmen entstand in einem Haus in den Bergen, wo die Musiker die Tracks nicht hintereinander wie bei der ersten CD, sondern zusammen einspielten. Dieses Livegefühl spürt man besonders bei den Soli und Jam - Parts der Songs. Namensgeber Stefan Weyerer entwickelte schon mit seiner Band „Der große Wah“ in den 90´ern seinen außergewöhnlichen Stil und setzt jetzt noch mal eins drauf: Wunderschöne Songkunst - poetisch, manchmal schräg und rau, manchmal simpel und „over the the top“ und immer eigenwillig. Die Zusammenarbeit mit Streichern des Filmorchesters Babelsberg für den Song „Sag es nicht!“ und die Duette mit der Sängerin Nora Grisu sind Highlights. Ein Album mit vielen schillernden Facetten, bei dem man richtig zuhören sollte. Die Kapelle des Herren Weyerer war in den letzten Jahren auch die Tourband der singenden Schauspielerin Jasmin Tabatabai. Für das neue Album wird der „Indie Poet“ in verschiedenen Besetzungen zu sehen sein. Mit den intimen „Labors München und Berlin“ und einer großen Electric Band. Wunderschöne Songkunst, manchmal simpel, manchmal rau und “over the top” und immer eigen.

Wenn der Sohne mit dem Vater...

DIRK BUSCH im Duett mit seinem Sohn MARTIN BUSCH. Der Junior hat einen Song über die Suche nach dem eigenen Platz im Leben geschrieben. Eine Geschichte über das Auf und Ab, die Widrigkeiten, aber auch Glücksmomente, die wir alle kennen – privat wie beruflich. Und über das Dranbleiben. Väter spielen dabei als Orientierung und Stütze eine wichtige Rolle. Und wenn Söhne groß sind, übernehmen sie diese Rolle bei ihren Kindern. Denn das Spiel beginnt immer wieder von vorne. Und für ausnahmslos jeden geht es: Rauf und Runter. Doch aufgeben zählt nicht!

Viele Menschen kennen Dirk Busch als Interpreten und Songschreiber vor allem durch seine witzigen und häufig selbstironischen Lieder wie „Sie beisst und kratzt“, „Du bist keine Mona Lisa“ oder „Ich zieh den Bauch nicht mehr ein“ und viele mehr. Seine Fans und Konzertbesucher* innen kennen aber sehr wohl seine ernsthafte, poetische Seite mit seinen Songs über das Leben und unsere begrenzte Zeit, die wir auf diesem Planeten verbringen dürfen. Diese Lieder, nachdenklich, manchmal melancholisch, aber immer auch kraftspendend, haben von jeher für Dirk Busch und sein Publikum einen besonderen Stellenwert gehabt, und es war ihm ein Bedürfnis, ihnen mit diesem speziellen Album mit Songs aus 40 Jahren einen ebenso speziellen Ort zuzuweisen. „Spuren“ offenbart vieles, was Dirk Busch beschäftigt und umtreibt. Er weiß um die Endlichkeit unserer Existenz und blendet sie nicht aus. Und er weiß, dass nur das Bewusstmachen unserer begrenzten Lebenswirklichkeit die Möglichkeit eröffnet, das Leben als Chance zu begreifen. Tag für Tag.

Diese leisen Lieder von Dirk Busch sind Balsam für die Seele in einer immer unübersichtlicher und unsicherer werdenden Zeit, in der die „Lautsprecher“ viel zu oft den Ton angeben.

Heimliche Hits? Was soll denn das bedeuten? Hits, ja die kennt man, aber die sind doch nie heimlich, sie sind geradezu das Gegenteil!

Also was will uns der Künstler sagen? Es ist ganz einfach: Dass es eine Vielzahl von Dirk Busch - Titeln in den vier Jahrzehnten jenseits der beißenden und kratzenden Frauen, jenseits von Mona Lisa, rauhen Winden, Enkelkindern und nicht eingezogenen Bäuchen gegeben hat, die in den Konzerten ebenfalls immer großen Anklang fanden, aber nie in vorderster Reihe standen. Einige dieser Lieder hat Dirk Busch auf diesem Album in einer Auswahl zusammengestellt. Sie haben für ihn künstlerisch, musikalisch und textlich eine ebenso große Bedeutung, wie die sogenannten Hits. Und er dachte, es wäre doch mal an der Zeit, diese "heimlichen Hits" an den Bühnenrand zu holen. Also vortreten bitte!

Viel Spaß beim Entdecken oder Wiederentdecken!

Vor exakt zehn Jahren hat Dirk Busch das Best Of - Album "Gute Zeiten" anlässlich seines 25jährigen Jubiläums auf Tonträgern veröffentlicht. Hier waren natürlich die Mona Lisas, die Beissenden und Kratzenden im rauhen Wind oder auch nicht eingezogene Bäuche in der Traumfabrik und vieles mehr versammelt, also alle die Erfolgstitel, die ihn in der Republik und darüber hinaus bekannt gemacht haben. Seither sind schon wieder einige Jahre ins Land gegangen, in denen viele CD's und schöne neue Songs entstanden sind, von denen sich auch wieder so manche zu beliebten Publikumstiteln entwickelt haben. Und da einige der neueren Songs nicht auf physischen Tonträgern erschienen sind, lag es nahe, ein neues Best Of der letzten zehn Jahre zusammenzustellen:

Das Beste von 2006 - 2016. Dazu sozusagen als Zugabe ein paar brandneue, bislang nicht veröffentlichte Songs, die in diesem Jahr entstanden sind. Und weil ein Titel der letzten Jahre seiner persönlichen Lebenseinstellung wunderbar entspricht und dieser Song zudem noch großen Anklang beim Publikum fand, hat er das Album im Obertitel "Genieße dein Leben" genannt. 20 überzeugende Songs, die die gesamte Bandbreite des Singer-Songwriters Dirk Busch eindrucksvoll widerspiegeln, mal witzig und humorvoll, mal nachdenklich und kritisch, aber immer mit einem positiven und versöhnlichen Blick auf das Leben!

Mit seinen ungewöhnlichen Liedern, die mal ironisch-witzig, mal nachdenklich-engagiert das menschliche Miteinander zum Inhalt haben, hat sich Dirk Busch seit mehr als fünfundzwanzig Jahren einen festen Platz in der neueren deutschen Unterhaltungs- und Popmusik erobert.

Spätestens nach dem enormen Erfolg seines Songs "Enkelkinder" ist klar: Dirk Busch hat ein großes Herz für Kinder. Seine eigenen Kinder, die Enkelkinder, die Kinder seiner Freunde und Mitmusiker, ja die "Kinder dieser Welt" sind ihm immer wieder Inspiration und Antrieb zu Texten und Liedern. Allein der Enkelkinder-Song war ein Riesenerfolg mit wochenlanger Platzierung in den Hitparaden, rund 700 mal im öffentlich-rechtlichen Rundfunk zu hören und bislang einigen tausend verkauften Singles (!).

Was liegt näher, als aus der umfangreichen Anzahl seiner Songs, die sich mit den großen und kleinen Sorgen von Kindern, der Freude an ihrer Entfaltung, der Verantwortung für ihre Wohlergehen überall in der Welt befassen, nun ein vollständiges Album zusammenzustellen. Und hier ist sie nun: seine stimmige und emotional authentisch-glaubhafte Sammlung mit den schönsten Liedern für Eltern und Großeltern. Ein ganz besonderes Bonbon ist dabei der neue Weihnachtssong von Dirk Busch im Duett mit Emilia, der Tochter seines langjährigen Gitarristen Dirk Schlag: Ich wünsche mir vom Weihnachtsmann zwei Zähne. Ein Titel, der sicher Kindern wie Erwachsenen viel Spaß bereiten wird.

Eine Greatest Hits-Compilation mit den größten Chartserfolgen dieses ungewöhnlichen, mit normalen Kategorien nicht zu fassenden Künstlers. Ironische und selbstironische Alltagsbeobachtungen des eigenen Lebens und des Lebens seiner Mitmenschen, substantielle und tiefgründige Chansons und Balladen wechseln sich auf unterhaltsame Weise ab. Dies alles auf musikalisch und produktionstechnisch hohem Niveau. Eine komprimierte Werkschau der letzten 25 Jahre des ehemaligen Universitätsprofessors.

Gerade die Balladen sind es, mit denen Konzertbesucher Dirk Busch immer wieder auf die Bühne holen, die den großen Erfolg auch seiner CD-Veröffentlichungen ausmachen. Zum 20-jährigen Künstlerjubiläum lässt Dirk Busch, der nach seinen eigenen Worten bekennende Balladen-Fan, diese 20 Jahre Revue passieren und präsentiert mit diesem Album eine Art "Best of Busch-Ballads 1983-2003". Das Album enthält ausschließlich Originalaufnahmen, Und natürlich fehlt bei den insgesamt 40 Titeln keine der einfühlsamen Lieblingsballaden wie "Sie beißt und kratzt" oder "Du musst deinen Weg alleine gehen" oder auch die Liebeserklärungen an "Julia", den "rauhen Wind" und den "kommenden Sommer". Dirk Busch, wie ihn seine Zuhörer lieben.

Ein deutscher Singer - Songwriter, der italienisch singt? Un Tedesco? Vero? Wer meine deutschen Alben kennt oder meine Konzerte besucht hat, weiß, daß ich seit vielen Jahren immer wieder selbst geschriebene italienische Canzoni auch auf den deutschen Produktionen veröffentlicht habe. Der Grund ist ganz einfach: Italienisch ist eine wunderschöne und einmalig klingende Sprache - die Sprache der Sänger!

Und was sind das für Lieder? Canzoni eben, mal bissig. kritisch und engagiert (ParolePungenti, Indifferenza, Questa Vita). Vor allem aber liebevoll und zärtlich, beschäftigt mit dem wohl wichtigsten Langzeitthema der Menschen: der Liebe! Sei es nun die fürsorgliche, sensible Liebe gegenüber einem Kind (Giulia) oder die leidenschaftliche Liebe gegenüber der/dem "einzigen" (Solo Tu, Pioggia, Una Storia Italiana, Senza Te).

Das vorliegende Album "Canzoni" ist die um drei neue Titel und einen Live-Track erweiterte Neuauflage des Albums "Una storia italiana", das mittlerweile ausverkauft ist. Mein Dank gilt den vielen Italo-Fans, die meine Liebe zur italienischen Sprache und ihren vielfältigen emotionalen Ausdrucksmöglichkeiten teilen. Mille grazie!

Wenn das Interesse am Gegenüber erloschen ist, wenn man den anderen in Frieden lässt, sind Liebe und Partnerschaft am Ende. Folgerichtig und deutlich heißt es bei ihm: ''Bitte lass mich nie in Frieden''. Aber auch nachdenkliche Töne werden angestimmt in dieser CD, ebenso wie Dankbarkeit, Rückschau, Reflexionen über den Gang der Zeit und des Lebens.

Wie wir es von Dirk Busch kennen, werden wieder alle Titel sehr lebendig präsentiert mit frischer, kraftvoller, handgemachter Musik eben ohne Wenn und Aber.

Zu seinem Album sagt der Künstler selber: "Manche haben mich im Vorfeld gefragt, warum ich das Album ... es geht doch! genannt habe. Na ja, ist doch klar - weil es eben doch geht: Handgemachte Musik ohne Computer und Sequenzer ..., die auch ohne drum-loops keineswegs unmodern klingt, gut groovt und Spaß macht. Geschichten erzählen, die nicht am weißen Strand von Barbados,Iziba, Mallorca spielen ... Geschichten erzählen, die die Menschen berühren, sie zum Schmunzeln, Lachen oder auch zum Nachdenken bringen. Es geht doch!"

Ein nachdenklicher Dirk Busch begegnet uns auf dieser CD, in insgesamt zwölf Songs, zwölf Geschichten aus dem Leben und über das Leben, mal nachdenklich, mal ironisch, meist sehr emotional. "Lieder über das schier endlose Thema Liebe und Beziehung zwischen zwei Menschen, über die Begrenztheit und das Tempo unserer menschlichen Existenz, über die Notwendigkeit, sich auf andere (und sich selbst) verlassen zu können", wie es im Begleittext zu der CD steht.

"Können Professoren der Soziologie singen? Und dazu gute Texte schreiben, Gitarre spielen, mischen, produzieren? Zumindest einer kann es, und er macht seine Sache sehr gut. Dirk Busch heißt er und ist Schöpfer solch unvergessener Zeilen wie "Mutter meiner Kinder, stur wie tausend Rinder..."

In seinem Album "Beziehungsweisen" geht es um einfache, kraftvolle und sehr emotionale Lieder, ganz und gar unprofessoral. Hier will keiner bekehren oder belehren, sondern mit sensiblen Beobachtungen und Gefühlen zum Thema "Liebe" unterhalten. Und dass es nie langweilig wird, dafür sorgt auch die Musik, die frisch und handgemacht daherkommt." (Gisela Böhnke, SWR 4, in Musikbox)

Der Künstler selbst bringt es in seinem Nachwort zum Booklet dieser CD auf den Punkt: "Es muss nicht immer der ersehnte Lottogewinn, der große Karrieresprung, das neue Auto sein! Es sind die kleinen Dinge des Alltags, die einem bei entsprechender Aufmerksamkeit genügend Gründe liefern, 'grundlos vergnügt' zu sein. Das Lachen eines Kindes, der Anblick eines blühenden Baumes, die Vertrautheit mit dem Partner, die Dankbarkeit, leben zu dürfen!

Gerade in der heutigen Zeit und gerade auch in unserem Land neigen wir dazu, die Geschenke unserer täglichen Existenz als selbstverständlich und gegeben anzunehmen. Und dann wird gejammert, was das Zeug hält und geflissentlich übersehen, wieviel Positives wir trotz aller Widrigkeiten hier und heute erleben dürfen - man muss es nur auch sehen wollen!" Zwölf Lieder, zwölf Gründe, vergnügt zu sein!

"Leben, alle wollen leben, nicht mal nur so eben, nein voll und ganz..." heißt es im Titelsong seines neuen Albums. Das Thema "Leben" lässt Dirk Busch einfach nicht los und durchzieht sein nunmehr fast 30-jähriges öffentliches musikalisches Schaffen wie ein roter Faden. Schon auf seinem allerersten Album "Kinder Kinder"(1981) gab es den Song "Lebensleiter", in dem er die Rastlosigkeit unserer Zeit, das ewige "Weiter weiter" beschrieben hat. Und auch Dirk Busch bekennt sich schuldig, in gewißer Weise ein Getriebener zu sein und sich dem Carpe Diem verschrieben zu haben. Denn das Leben ist nicht nur zu kurz, um schlechten Wein zu trinken sondern auch um es einfach verstreichen zu lassen. Nun ist er als Künstler und Schreiber in einer äußerst privilegierten Situation und kann seine Themen und Herausforderungen selbst bestimmen. Darüber hinaus ist Busch in einer Lebensphase, in der man viele Dinge gelassener und weniger hektisch sieht. Er muss nicht auf jede Bühne springen, die gerade aufgebaut wird. Und er muss auch nicht auf die Charts schielen oder an irgendwelche Fernsehformate denken, wenn er neue Stücke schreibt. Denn er weiß, da draußen gibt es eine beträchtliche Zahl von Menschen, die ihn genau verstehen. Die ihm gerne zuhören und denen seine Texte und seine Musik etwas bedeuten.

Auf dem Album "Nur ein kurzer Traum" stellt Dirk Busch 12 Titel vor, die ihm alle (in unterschiedlicher Art und Weise) wichtig und ans Herz gewachsen sind. Es handelt sich um eine Mischung von ironisch-bissigen Songs wie "Big Names" oder "Angebrochenes Leben", lebensfrohen Spaßtiteln wie "Melinda" oder "Sexappeal" bis hin zu sehr nachdenklichen Liedern wie "Stell dir vor" oder eben dem Titelsong "Nur ein kurzer Traum". Und natürlich darf die Liebe nicht zu kurz kommen ("Glück", "Gemeinsam", "Keine Stunde tut mir leid"). Eben ein typisches Dirk Busch-Album: Verschiedenste Beobachtungen und Facetten des Alltags und Gedanken zum Leben um Allgemeinen und Besonderen.

Apropos Leben, dazu sagt Dirk Busch: "Wenn man mit zwanzig auf das vor einem liegende Leben blickt, dann glaubt man, dass es ewig dauert ( und das ist ja auch gut so!). Wenn man dann zwei Drittel hinter sich hat, wird der Blickwinkel deutlich anders, weil man mehr und mehr begreift, dass es eben in der Wirklichkeit doch "nur ein kurzer Traum" ist und rasendschnell vorüberzieht - unser Leben. Also lasst es uns bewusst und in vollen Zügen leben, die Chancen, die es uns bietet, nutzen - carpe diem! "Ergreift die Chance, man hat sie dir gegeben, und zweifel nicht - sei dankbar dafür" heißt es im Titelsong, und ich bin sicher, dass sich viele Menschen in diesen Gedanken wiederfinden können und werden."

Ein Doppel-Album, Live-Direktmitschnitt (ohne Studionachbearbeitung!) zweier Konzerte aus der Stadthalle Bremerhaven am 15. März 2007 und dem Kongresszentrum in Oldenburg am 23. März 2007. Je nach der Stimmung, die man gerne musikalisch auskosten möchte, findet sich hier einmal die "Piano-CD" mit Balladen und nachdenklichen Liedern, "in denen leise Töne "Piano" die Seele streicheln" und auf der anderen Seite die "Forte-CD" mit den rockigeren Tönen, den ironischen Songs und den Entertainer-Elementen. Ein durch und durch gelungener Stereo-Mitschnitt, der die Intensität der Konzertatmosphäre technisch und musikalisch ungebrochen in einer authentischen Doppel-CD einfängt. Zum ersten Mal ein Dirk Busch Live-Album!

Nach seinem großen Erfolg mit dem "Enkelkinder-Song" und dem dazugehörigen Album im letzten Jahr legt Dirk Busch mit "Reine Glücksache" ein interessantes und höchst abwechslungsreiches Studioalbum mit 14 neuen Titeln vor. Warum er das Album "Reine Glücksache" genannt hat und was er zu den neuen Songs sagt, das erklärt Dirk Busch so:

"Während ich diese Zeilen schreibe, ereignet sich 9000 Kilometer von uns entfernt in Japan eine unfassbare Katastrophe, deren Konsequenzen für die dortige Bevölkerung und darüber hinaus noch nicht absehbar sind. Wieder einmal wird einem bewusst, wie sehr es doch "reine Glücksache" ist, zu welchem Zeitpunkt und an welchem Ort man in diese Welt hineingeboren wird. Zudem können wir wirklich von Glück sagen, dass wir in Europa seit mehr als 60 Jahren in Frieden leben. Dieses Glück war vorangegangenen Generationen nicht vergönnt - und ist es auch aktuell nicht Millionen von Menschen in anderen Teilen dieser Welt.

Dagegen nimmt sich das kleine persönliche Glück, Musik machen zu dürfen und mit seinen Liedern Menschen Freude zu bereiten, bescheiden aus. Dennoch empfinde ich es als meinen persönlichen und sehr erfüllenden Lebensbeitrag, den Alltag abwechslungsreicher, heller und freundlicher zu machen. Denn wie las ich unlängst so schön an einer Hauswand: Musik wünscht den Staub des Alltags von deiner Seele!

Und so ist das vorliegende Album auch wieder ein Kaleidoskop der unterschiedlichsten Gemütszustände. Es gibt kritische, bissige Songs wie "Tanzen", "Sie kochen alle nur mit Wasser" oder "Nur wer unauffällig lebt" ebenso wie die zarte Liebeserklärung an den wunderbaren, immer wiederkehrenden "Frühling im Mai" oder die Beschreibung eines höchstpersönlichen "Sonntagmorgens". Und natürlich wieder eine Reihe von Liebesliedern. Denn man kann es drehen und wenden, wie man will: die Liebe ist das zentrale Lebensthema der meisten Menschen. Nicht immer gelingend, weil es ja schon einer gehörigen Portion Glück bedarf, dass man den richtigen Partner trifft, aber in jedem Fall von einer ungeheuren emotionalen Kraft."

Die Welt ist aus den Fugen - vermutlich mehr denn je. Was es braucht, sind Zeitgenossen, die den Holzweg schonungslos vor Augen und Ohren führen und doch weiter an die heilsame Kraft der Liebe glauben.

„Geäußerte innere Angelegenheiten“ versammelt kurze gesprochene Texte und eine Handvoll Songs, von denen „Reise durch die Zeit“ und „Anthropozän“ die ausgeprägte melancholische Seite von Janus M. verdeutlichen. „Du tust gut“ ist ein Dankeschön an den wichtigsten Menschen an seiner Seite. „Meine Welt hat dein Gesicht“ erzählt davon, wie extrem sich das Leben durch eigene Kinder verändert.

Dass auch Janus M., ein promovierter Soziologe und langjähriger Radiomoderator, trotz aller Skepsis eine Sehnsucht nach globaler Harmonie verspürt, offenbart das Duett „We are the people of today“.

Was Nadine Maria Schmidt über ihr neues Album „Die Kinder an unseren Händen“ schreibt, ist nicht übertrie­ben: In den Songs geht es buchstäblich um Leben und Tod (und auch um das Leben danach). Aber die 42-jährige Songschreiberin und Sängerin hat es sich und ihren Hö­rerinnen und Hörern noch nie leicht gemacht – und wird gerade dafür von ihrem Publikum geliebt.

Drei Alben hat die in Thüringen geborene, im Vogtland aufgewachsene Nadine Maria Schmidt seit 2012 mit ihrer Band Frühmorgens am Meer eingespielt – allesamt über Crowdfunding finanziert. Als Musikerin eine spätberu­fene Autodidaktin, als Sängerin unverwechselbar, als Texterin ein Ausnahmetalent, trifft sie mit ihrer ganz eige­nen Emotionalität und Poesie einen Nerv, nicht nur beim Publikum, sondern auch bei der Kritik. Regelmäßige Platzierungen in den Vierteljahreslisten des Preises der deutschen Schallplattenkritik und der ‚Förderpreis der Liederbestenliste‘ 2016 sprechen da eine klare Sprache.

Und nun also nach einer, auch durch private Schicksalsschläge bedingten, Schaffenspause das vierte Album „Die Kinder an unseren Händen.“ Nach den Gedichtvertonungen des Vorgängers „Ich bin der Regen“ stammen dies­mal alle Texte von Nadine. Thematisch geht es ans Eingemachte – von ganz intimen Dramen über Kriegs- und Fluchtgeschehen bis zu einem historischen Massensuizid 1945 im vorpommerschen Demmin. Dabei gibt es doch einen klaren roten Faden – Nadine Maria macht ihn klar: „Die Kinder an unseren Händen als ein Symbol für Liebe und Vertrauen, aber auch für die Verantwortung für sie und das über die Generationen hinweg.“

Gut, dass es eben nicht „irgendjemand“ war, der sich dieser Stoffe angenommen hat, sondern Nadine Maria Schmidt. Besitzt sie doch dieses untrügliche Gespür für jene Zwischentöne, die in diesen Liedern Türen zu tiefe­ren Wahrheiten aufstoßen.

Und das trifft nicht nur für die Texte zu: Einmal mehr ist es dieses ganz eigene Amalgam aus Chanson und Pop, mit kammermusikalischen Sensibilitäten und mitunter jazznaher Finesse, das den Hörer für die Geschichten auf „Die Kinder an unseren Händen“ öffnet. Nadines ausdrucksstarker Gesang wird umrahmt von Arrangements, die frei von jeglichen Genre-Klischees und dafür reich an klangschöpferischer Fantasie ein Kaleidoskop unter­schiedlichster Stimmungen entstehen lassen.

Der Komponist und Cellist Christoph Schenker, mit dem Nadine Maria Schmidt an den Arrangements der Stü­cke feilte, hat als wichtiger Geburtshelfer dazu beigetragen, dass auch dieses vierte Album von Nadine Maria Schmidt und Frühmorgens am Meer wieder, im besten Sinne des Wortes, für Aufhorchen sorgen wird.

Nach zwei viel beachteten (und von der Kritik jeweils mit Nominierungen für den Preis der deutschen Schallplattenkritik bedachten) Alben schlagen Nadine Maria Schmidt und ihre Band ‚Frühmorgens am Meer‘ mit ihrem dritten Longplayer „Ich bin der Regen – Lieder aus Gedichten“ ein besonderes künstlerisches Kapitel für sich auf:

Hatten die Vorgängerwerke „Blaue Kanten“ (2012) und „Lieder aus Herbst“ (2014) mit dafür gesorgt, dass die Sängerin und Songschreiberin aus Leipzig sich verblüffend schnell landab landauf als hochindividuelle und ausdrucksstarke neue Stimme und Autorin in der deutschen Musikszene bemerkbar machen konnte, steht auf „Ich bin der Regen“ Lyrik aus dem 20. und 21. Jahrhundert im Fokus. Nadine und ihre Mitmusiker befassen sich hier behutsam und doch leidenschaftlich mit Gedichten von Joseph von Eichendorff, Rainer Maria Rilke, Eduard Mörike, Else Lasker-Schüler, Joachim Ringelnatz und anderen.

Dabei schaffen sie für die sehr unterschiedlichen Texte vielfältige, mitunter schillernde Klangkulissen – ob in großen Formaten mit Streichern oder Bläsern, oder in kammermusikalisch intimer Besetzung, und lassen ihnen gleichzeitig doch genug Raum zu atmen, ihre eigene sprachliche Melodie zu entfalten. Nadines an feinen Schattierungen reiche Altstimme und ihr nuancierter Gesang liefert den (dunkel-)roten Faden in dieser Vielfalt. Einen besonders bewegenden Akzent setzt ihre Vertonung von Zeilen aus dem letzten Briefwechsel Sophie Scholls.

So gehen Nadine Maria Schmidt & Frühmorgens am Meer ihren ganz eigenen Weg zwischen Chanson, Liedermacherei, Pop, Klassik und Jazz unbeirrt, aber mit einem überraschenden Bogenschlag weiter.

Und ganz verzichten sie auch diesmal nicht auf eigene Songlyrik: Als Bonus-Track beschließt Nadine Maria Schmidts eigenes Lied „Aluna – Meine Mutter war ein Flüchtling“, mit dem die ZEIT Mitte Februar ein ‚Dossier’ eröffnete („Nadine Maria Schmidt schrieb einen unverbesserlichen guten Song“) dieses stimmungs- und gedankenvolle Album.

Zu Beginn des Musikherbsts 2014 setzt ,,Lieder aus Herbst“, das zweite deutschsprachige Album der Leipziger Liedschreiberin Nadine Maria Schmidt und ihrer Band Frühmorgens am Meer ganz eigene, unverwechselbare Ausrufezeichen.

Ihr Debüt „Blaue Kanten“ war u.a. für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert und von seriösen Medien mit viel Beifall aufgenommen worden. Daraufhin spielte Nadine Maria eine Tour für Alin Coen und Supportkonzerte für Maike Rosa Vogel sowie Kari Rueslåtten(die Stimme Norwegens). In diesen Liedern riecht es nach Oktoberlaub, nach einem letzten Aufblühen, bevor das Jahr seine Farben verliert. Melancholische Tiefe und Liebe zum Detail finden sich in Wort und Ton, im Kammer-Pop-Format sensibel und vielfältig gestaltet, vom A-capella-Stück mit Klangschale bis hin zu Großarrangements mit Posaune, Cello, Klavier, Chorälen, indischer Bansuri, Akkordeon, Darbuka, Melodika, Glockenspiel, Gitarre, Bass und Schlagzeug. Und im Mittelpunkt Nadine Marias oft dunkle, mal gurrende, dann wieder flüsternde, hauchende, fragile, fordernde oder jubilierende Stimme - und die eigenwillige Poesie ihrer Texte. Welchen Themen sie sich in ihren Songs nähert, erschließt sich nicht immer sofort, manchem Hörer wird das eine oder andere rätselhaft bleiben.

Nadine Maria sammelt Lebensgeschichten, bildet sie ab, verkehrt sie, rückt sie in neues Licht und macht sie unvergessen. Jedes Lied hinterlässt die Spur eines anderen Menschen. Dabei schreckt die Sängerin nicht davor zurück, auch die dunkelsten Kapitel eines Lebens in lyrische Form zu bringen. Erstmals finden sich auch Texte aus fremden Federn unter den 15 Titeln, u.a. das Hermann-Hesse-Gedicht „An die Schönheit“. Das Album wurde in einer deutsch-französischen Zusammenarbeit mit Roy de Rat (Charles Mathieu, Lucas Magnat, Jean-Baptiste Meyrieux), Alexis Bouvier und André Gensicke (Die Zöllner) produziert. Finanziert wurde es komplett von ihren Fans, wie zuvor schon „Blaue Kanten“.

Debut Album der Leipziger Sängerin und Gitarristin plus Band. NADINE MARIA SCHMIDT, zuvor als NYLONSAITEN & SAITENSTRÜMPFE seit ihrem Debüt 'Naked' (2008) sowie auch solo unterwegs, hat mit Chris Turrak am Bass, Till Kratschmer am Piano und KarlABlütchen am Schlagzeug ihre Begleitband FRÜHMORGENS AM MEER komplettiert. Die Ausnamepoetin schaffte sich ohne Probleme per Fundraising die finanzielle Basis für die Produktion ihres Albums 'Blaue Kanten', auf dem sie 15 sensibel instrumentierte und poetisch betextete deutschsprachige Songs präsentiert. Mit ihrer prägnantemotionalen Stimme, die ein leicht rauchiges Timbre trägt, verleiht die Sängerin Songs wie 'Das Leben Ist Schön', 'Am Meer', 'Raus Hier' oder 'Wenn Sie Geht' intensive, warme und ehrliche Stimmung. Dezent begleitet die Band im akustischen Kammerpop-Format, mit leichten Einsprengseln von Jazz und Chanson - doch stets steht die Sängerin mit ihrer herausragenden Stimme und den gänzlich unverstellten Texten im Vordergrund. Tipp für Freunde eigensinniger deutschsprachiger Songwriterinnen wie Dota oder Meike Schrader!

In Zusammenarbeit mit der Stadt Wesselburen (Dithmarschen), dem Geburtsort des Dichters und Dramatikers Friedrich Hebbel (1813-1863), schuf Marcator 14 Kompositionen zu ausgewählter Hebbel Lyrik. Die Musik folgt keinen klassischen Vorbildern(Brahms) sondern ist in moderner Stilistik mit vielen Gitarrenklängen, Synthesizern etc gehalten.

Gesangliche Unterstützung erhält Marcator durch Ariane Templin und Gabriela Hotsch, die auch schon bei früheren Produktionen mitgewirkt haben, sowie Lutz Herkenrath, einem prominenten Schauspieler und Sprecher, der ebenfalls in Wesselburen lebt.

Durch die unterschiedlichen Interpreten und die musikalische Vielseitigkeit ist das Album abwechslungsreich und spannend! Die Lyrik Hebbels ist in ihrer Machart brilliant, die Themen sind meist düster oder mysteriös. Die Musik reflektiert diese Stimmungen.

Biografie

Marcator (Jürgen Petersen) arbeitet seit Jahrzehnten als Komponist, Musiker, Produzent und Tonstudiobetreiber in Dithmarschen (Norddeutschland). Seit 1993 hat er unter dem Namen Marcator 17 Alben auf den süddeutschen PRUDENCE Label veröffentlicht, ebenfalls 5 Alben unter 'Foolswood' und 'Z'. Darunter finden sich instrumentale Gitarrenmusik, elektronische Ambientklänge sowie Singer/Songwriter Musik. Auch regionale Themen beschäftigten ihn, unter anderem drei Alben 'Wattenklänge', ein Album 'Eiderland Suite', eine sinfonische Dichtung zu Storms 'Schimmelreiter' sowie Theatermusiken zu Dithmarscher Geschichte. Einige der Alben sind hier bei "best around" in den Kategorien "Pop Instrumental" und "Rock" erhältlich.

Die in Berlin lebende Dichterin, Liedermacherin und Schauspielerin Le-Thanh Ho entwirft in chansonartigen Liedern surreale Bilderwelten. Düstere Dystopien werden mit detailverliebtem Blick seziert, das Skurrile dabei feierlich zelebriert. „Panoptikum“ ist eine zärtliche Liebeserklärung an die rastlosen Außenseiter*innen der Gesellschaft, ständig auf der Suche nach „Zuhause“, nur, um immer wieder auf die immergleichen Fragen zu stoßen: was ist das und wo ist das zu finden? Seit ihrer Schulzeit musikalisch aktiv, veröffentlichte Le-Thanh Ho 2014 die EP „Zellophan“, gefolgt von ihrem Debütalbum „Elephant“ im Jahr darauf, das mit diversen Preisen und Nominierungen bedacht wurde. 2017 erscheint mit „Staub“ ein Album, das, als ein offenes Experiment angelegt, Le Thanh Hos poetischen Explorationen eine völlig neue Richtung gibt.

Ende Mai 2021 veröffentlicht sie nun ihr neues Album „Panoptikum“, ein von Stefan Weyerer produziertes surreal poetisches Mischwesen, in dem Popklänge, Kabarettelemente und Punkattitüde zu bildgewaltigen Chansons verschmelzen. Freiheitsliebende Oktopusse treffen auf herumirrende Goldfische. Ein Schaf inmitten einer tiefen Sinnkrise findet einen Seelenverwandten im Mondscheinliebhaber. Eine Androidin bietet personalisierte Dienste an, die sich mit der Ware eines Pillen-Dealers perfekt ergänzen. Le-Thanh Hos Kuriositätenkabinett stellt niemanden aus außer sich selbst. Sie erlaubt Einblicke in wundersame Innen- und Außenwelten und lässt Grenzen verschwimmen, bis beide untrennbar ineinander zu fließen scheinen.

Biografie

Le-Thanh Ho ist eine in München geborene Dichterin, Liedermacherin und Schauspielerin.

Mit fünfzehn gründet sie ihre erste Band, für die sie auf französisch und englisch schreibt und singt. Drei Jahre später fängt sie an, zu komponieren und auf deutsch zu texten. Sie verfasst Songs für ein Jugend Musical, übernimmt eine Rolle und geht mit dem Stück auf Tour. Anschließend absolviert Le-Thanh Ho eine Schauspielausbildung in München. 2012 zieht sie nach Berlin und konzentriert sich auf die Musik. Aus den von ihr über Jahre gesammelten Textfragmenten, Gedichten und Traumnotizen kristallisieren sich Themen wie Heimatlosigkeit, Verlorenheit und Wut heraus. Über sich sagt sie: „Das sind sehr düstere Themen. Aber sie sind Teil von mir. Sie umgehen zu wollen, sie vermeiden zu wollen, oder sogar zu verstecken, würde sie nur noch mehr betonen. Also mache ich das einzige, was mir übrig bleibt: Mit Kraft und Pathos die Schwere feiern, um ihr die Macht, die sie über mich hat, zu entreissen. Mit der Wucht der Melancholie. Diese Auflehnung ist meine Art der Lebensfreude.“ Es entsteht ihr erstes Album „Elephant“, wofür sie für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert wird. Im selben Jahr wird sie mit dem Förderpreis für Junge Liedermacher ausgezeichnet. Im März 2017 erscheint mit „.staub“ ihr zweiter Longplayer der, produziert von Alexander Hacke, und als ein offenes Experiment angelegt, Le-Thanhs poetischen Explorationen eine völlig neue Richtung gibt.

Ende Mai 2021 veröffentlicht sie ihr Album „Panoptikum“, ein von Stefan Weyerer produziertes poetisches Mischwesen: Popklänge, Kabarettelemente und Punkattitüde verschmelzen zu bildgewaltigen Chansons.

Mit „Staub“ veröffentlicht Le-Thanh Ho ihr zweites Soloalbum. Die in Berlin lebende Dichterin, Liedermacherin und Schauspielerin entwirft in chansonartigen Liedern surreale Bilderwelten, zwischen Selbstoffenbarung und poetischer Beschwörung. Seit ihrer Schulzeit musikalisch aktiv, veröffentlichte sie 2014 die EP „Zellophan“, gefolgt von ihrem Debütalbum „Elephant“ im Jahr darauf, das mit diversen Preisen und Nominierungen bedacht wurde. Nun erscheint mit „Staub“ ein Album, das, als ein offenes Experiment angelegt, Le-Thanhs poetischen Explorationen eine völlig neue Richtung gibt.

Alexander Hacke, Mitglied der frühesten Stunde und Bassist der Einstürzende Neubauten, hat ein Album produziert, das sich weit über das Songformat hinauslehnt und ein poetisches Mischwesen aus Rezitation, Soundskulptur und Hörspiel schafft. Der fast statischen Einfachheit von Le-Thanhs Kompositionen, die sie selbst an akustischer Gitarre und Klavier begleitet, stellt sie ein Ensemble gegenüber, das sich aus der Berliner Echtzeitmusik / FreeJazz / FreeImprov Szene rekrutiert. Neben ihrem langjährigen E-Gitarristen Davide Panza hat sie das Duo Parallel Asteroid, bestehend aus Gregor Siedl (Saxophon und Tierstimmen) und Lan Cao (Synthesizer), sowie den Soundpoeten Martin Lau engagiert. Anstatt sich auf die bloße musikalische Untermalung zu verlassen, setzt Le-Thanh auf ein dynamisches Kräfteverhältnis, das der halluzinatorischen Brüchigkeit ihrer Poesie entspricht. Ganz im Sinne des Titels, ist „Staub“ ein Album, das die Reibung zelebriert. Le-Thanh singt, rezitiert und flüstert sich durch fiebrige Traumbilder und phantasmagorische Erinnerungen, lässt diese kollidieren mit tatsächlichen Tondokumenten aus ihrer Kindheit und Fieldrecordings ihrer Umgebung, und schafft so eine Welt, in der Poesie und Leben, Innen und Außen, Traum und Wahnsinn ununterscheidbar werden. Zwischen feinsinnigen Soundarchitekturen und impulsiven Crescendi vollzieht Le-Thanh mit hemmungsloser Offenheit ihre eigene Zerrissenheit und Fragmentiertheit am Universum, feiert den Einbruch der Welt ins Gedicht und den Einbruch des Lebens in die Musik, bis sie am Ende explodiert und zu Staub zerfällt.

„Der Elefant ist ein kluges Tier. Man sagt, dass er verzeiht, aber nichts vergisst. Und unter der dicken Haut schlägt ein großes Herz.“

Was die in München geborene und heute in Berlin lebende Liedermacherin Le-Thanh Ho über das Tier sagt, nach dem sie ihr Debütalbum benannt hat, lässt sich nur zum Teil auf sie selbst und ihre Kunst übertragen:

Herz findet sich reichlich in den neun hoch emotionalen Songs auf „Elephant“. Klug sind diese Texte auch. Doch ob die Autorin dieser feinnervigen, oft unverblümt autobio-grafischen Lieder auch so eine dicke Haut hat? Oder nicht vielmehr eine besondere Form der Dünnhäutigkeit dieses Album überhaupt erst möglich machte?

„Aus den Textfragmenten, Gedichten, Traumnotizen und Gedanken, die ich seit Jahren in Büchern festhalte, kristallisieren sich Themen heraus: Heimatlosigkeit. Einsamkeit. Verlorenheit, Schwermut. Und immer wieder diese Wut, die es mir möglich macht, mich gegen all das aufzulehnen“, beschreibt Le-Thanh Ho ihre spezielle Form der Materialsammlung.

Die Tochter vietnamesischer Flüchtlinge, die als Sängerin einer Ska-Punk-Band ihre ersten Schritte in die Musikszene setzte, später Musical-Erfahrung machte und danach eine Schauspielausbildung (nach der Strasberg-Methode) absolvierte, setzt ihre Gedanken und Metaphern in ihren Texten wie Farbpunkte eines impressionistischen Gemäldes ein. „Das ganze Lied gibt im Idealfall dann im Zuhörer ein eigenes Bild einer Empfindung. Eine Emotion ist meiner Meinung nach keine klare Farbe. Sie ist ein Farbenorkan eines Tons und erst in der Tiefe und in den Tausenden von Nuancen und deren Mischungen möchte ich mich ihr annähern“, sagt Le-Thanh.

Zusammen mit ihrem engsten Freund, Gitarristen und Produzenten Flemming Borby und einer kleinen Gruppe eingeschworener musikalischer Mitstreiter kleidet sie diese impressionistischen Songpoeme in eine Musik, in der sich Charakteristika des Chanson, des deutschen Pop, von Ambient Musik und Klassik und Manchem mehr auf erfrischend eigenwillige Art mischen.

Ihre emotionale Sprengkraft und ungeheure Faszination bekommen die neun Songs aber durch Le-Thanhs Entschlossenheit, auf den Schutz einer dicken Haut zu verzichten: “Ich könnte anders, aber ich kann nicht, ich habe das Gefühl, es dem Publikum schuldig zu sein, kompromisslos offen zu sein, sonst macht das, was ich mache, keinen Sinn, und ich verschwende meine und des Zuhörers Zeit, wenn man nicht in mich hineinschauen kann. In meine Wunden. In meine Freuden. Und in eine Menschlichkeit, die wir alle gemeinsam haben.“

Man nehme eine ordentliche Portion Rock n’ Roll, mische ein wenig Country hinzu, streue eine Prise Folk hinein und serviere das Ganze mit bairischen Texten, kräftig gewürzt mit Witz, Charme und Selbstironie – so lautet das bodenständige Rezept der ISAR-MAFIA und BAVARICANA ist der perfekte Titel für die EP der vier Jungs aus München-City.

In klassischer Rock n’ Roll Besetzung, Schlagzeug (Al unter Palmen), Kontrabass (Bullfiddle-Heinz) und zwei Gitarren (Simon Little-John und the Doc) ist der ISAR-MAFIA ein authentisches Portrait ihrer Arbeit gelungen.

„LederhosenCowboy Blues“ eröffnet die EP mit einer Hommage an die „Hoam-Town“ der vier Münchner. Bereits 2009 hat Florian Odendahl den Song in der ZDF-Kult-Krimi-Serie „SOKO 5113“ in seiner Rolle als Gerichtsmediziner „Doc Weissenböck“ performt. Für „In München san mir King“ konnten sie Thomas Willmann gewinnen, der mit seiner Pedal-Steel-Guitar für ordentlich Country-Feeling sorgt. Der Song dürfte ab sofort verstärkt aus den Einsatzfahrzeugen der Münchner Polizei schallen... In „Unter der Wittelsbacher Brück’n“ und „Sie hod’ mein Style“ finden sich die leisen Töne der Band und auch das gelingt der ISAR-MAFIA. „Es muss ein Sonntag g’wesen sein“ ist wohl jedem Fan von bayerischer Hausmusik in der Version des Volkssängers Kraudn Sepp und seiner Zither bekannt. In ihrer Interpretation legen die Jungs einen ordentlichen Zahn zu und haben außerdem Florian Burgmayr an der Tuba engagiert.

BAVARICANA ist ein gelungener Querschnitt durch das Live-Programm der Band und macht Appetit auf mehr...

Biografie:

Die Geschichte der ISAR-MAFIA ist ein langer Ritt durch die musikalische Unterwelt Münchens... Doch seit 2010 ist die Formation um den Frontmann Florian Odendahl perfekt: Der Münchner Schauspieler, vielen als Gerichtsmediziner der ZDF Kult-Serie „SOKO 5113“ bekannt, und seine drei Compañeros reiten seither gemeinsam durch die süddeutsche Prärie um ihren „BAVARICANA-Sound“ zu verkünden. Ihre erste Veröffentlichung, den Sechzger-Song „Mir san blau“, konnte die ISAR-MAFIA im Jahr 2012 live in der Allianz-Arena 
vor begeisterten 29.000 Stadionbesuchern präsentieren und landete damit prompt auf dem offiziellen Musik-Sampler des
 TSV 1860 München „Einmal Löwe - immer Löwe“ sowie in den Herzen vieler Fußball-Fans.

Erstmals erscheint ein Sampler mit allen Hits des Traditionsvereins 1860 München. Sowohl die allerneuste Sechzgerhymne "Wir sind die Löwen" von LustfingeR feat. Musikkapelle Münsing" als auch das legendäre "1860 Lied (57, 58, 59,60)" findet man auf dieser Compilation. Selbstverständlich ist auch die seit Jahren bei jedem Heimspiel eingesetzte Hymne "Stark wie noch nie" von Michael Benker auf dem Sampler zu hören, ebenso die Hymne der letzten Saison "Mir san blau" von der Isar Mafia. LustfingeR steuern neben "Heya Heya TSV" und "Grünwalder Stadion" noch ihre Kulthymne "Löwenmut" bei, die sie vor über 20 Jahren zusammen mit Schlagerlegende Michael Holm im Stadionan der Grünwalder Strasse präsentierten. Und auch eine 1860 Version von Michael Holms "Mendocino" hat der Meister beigesteuert, dieser Song wurde bis heute noch auf keinem Tonträger veröffentlicht, ebenso wie das 1860 Medley der Löwen Tenöre, das anlässlich des 150 Jahr Jubiläums Premiere feierte. Neben den Gassenhauern "Weiss blau TSV", "Mir san Löwenfans", 1860 Liter Bier" und "Einmal Löwe, immer Löwe" enthält die Kopplung auch den Song von Den und Ben "Du bist mein Verein", IRXN, die Senkrechtstarter in Sachen Bavarian Folk Rock veröffentlichen ihre Hymne "Löwenblut" und die Ballade "Mia kumma wieda" von Zweckinger und LustfingeR fehlt ebenfalls nicht auf der "GreatestHits des TSV 1860 München".

Der Zürcher Liedermacher Matthias Siegrist lädt in seinem neuen Programm in seinen Schrebergarten ein. Dort, wo man sich zurücklehnen und den Liedern lauschen kann, die da aus dem Boden spriessen. Im Mittelpunkt dieser Lieder stehen Menschen und ihre Geschichten, die mal heiter sind und mal melancholisch, mal nachdenklich stimmen und einen auch immer wieder schmunzeln lassen. Man trifft auf einen Tagträumer mit Heldenfantasien, einen unverwüstlichen Optimisten, einen, der in der Kneipe seine Heimat findet und nicht zuletzt auf einen Schrebergärtner, der den ganzen Tag nichts anderes tut als auf dem Gartenstuhl zu liegen, bis er schliesslich hinter einer wuchernden Wand aus Gras verschwunden ist.

Seine Texte untermalt Matthias Siegrist durch sein filigranes und oftmals treibendes Gitarrenspiel, das die dichte Stimmung der Lieder verstärkt und so Text und Musik auf stimmige Weise miteinander verbindet. Unterstützt wird er dabei vom Akkordeonisten Niculin Christen und dem Perkussionisten Tino Siegrist, die mit ihrer Kreativität und Musikalität Siegrists Lieder noch einmal um viele Nuancen bereichern. Zusammen schaffen sie es, das Publikum zu berühren und in ihre Liederwelten mitzunehmen.

Musik spielte schon immer eine große Rolle im Leben von Stefanie Nerpel. Schon mit vier Jahren lautete die Antwort auf die Frage, was sie denn mal werden wolle: Sängerin und Tänzerin. Nun, das mit dem Tanzen legte sich im Laufe der Zeit, aber die Musik blieb.

Kurz vor dem Abitur lernte sie Wolfgang Schrödl kennen, der sie für ihren ersten richtigen Studiojob engagierte. Seine Band hieß „Liquido“ und damals ahnte noch niemand, dass der Song „ Narcotic“, dem Stefanie im Background ihre Stimme verlieh, ein Welthit werden würde. Gold- und Platinauszeichnungen in Deutschland, Österreich und der Schweiz, sowie Auftritte bei Top of the Pops, Bravosupershow, Rock am Ring, Rock im Park und vielen weiteren großen Konzerten.

 2003 gründete sie ihre Unplugged Band „Stayfunny“, die bis heute deutschlandweit gebucht wird. Bei der Castingshow „Star Search 2“ in SAT1 belegte sie 2004 den zweiten Platz.

Es folgten Auftritte mit Xavier Naidoo für seine Live DVD " Telegramm für X“ und die TV-Show „O Live Lait2“ (2005/2006), sowie mit den Fantastischen Vier bei ihrem 20-jährigen Jubiläum 2009, dem „Heimspiel“, auf dem Canstatter Wasen vor über 60000 Besuchern.

Weitere Künstler, die Stefanie mit ihrer Stimme unterstützen durfte waren unter anderem: Uwe Ochsenknecht, Joy Flemming, Jule Neigel, Sidney Youngblood, Haddaway, Klaus Eisenmann, Imaani (Incognito), Laith Aldeen, Edo Zanki, Rick Washington (The Eagles), Midge Ure (Ultravox), Rolf Stahlhofen, Stevie Wood, Max Mutzke, Stefanie Heinzmann, Andreas Bourani, Gentleman und viele mehr.

Doch ein Traum ließ sie nie los: ihre eigene CD mit eigenen Songs zu machen, mit „Träumer müssen fliegen“ geht dieser Traum nun endlich in Erfüllung.

„Die Momente, in denen ich es schaffe, mein Publikum zu berühren, sie lachen oder weinen zu sehen, sind unbezahlbar.“

Und noch schöner ist es, wenn es dabei um eigene, selbstgeschriebene Songs geht. Zwei Jahre Zeit nahm sich Stefanie dafür, komponierte und textete Songs über das Leben, ihre Erfahrungen, den Lauf der Zeit und ihre Träume, mit denen sich nahezu jeder sofort identifizieren kann.

Das unter dem Label „Brother Records“ und im Stablo Musikverlag erschienene Album „Träumer müssen fliegen“ aus dem Akustik-Pop-Rock-Bereich ist nicht nur ihr größter wahrgewordener Traum, es nimmt den Zuhörer mit in diese kleine persönliche Gedankenwelt und lädt ihn ein, in der Vergangenheit zu schwelgen, nachzudenken und zu träumen. In jedem der zwölf deutschsprachigen Lieder steckt all ihre Liebe und all das was Stefanie ausmacht. Denn sie ist und bleibt, was sie ist: Eine Vollblutmusikerin voller Gefühl, immer echt, authentisch und ehrlich.

" Tröste, wenn Du Tränen siehst" heisst ihr erstes selbstproduziertes Album mit sehr bewegenden Chansons, die Hoffnung und Lebensmut geben, in Momenten von Krankheit, Tod und Trennung. Leise Klavierballaden mit einer Botschaft, die nicht auf Charts und Kommerz, sondern auf die Herzen notleidender Menschen ausgerichtet ist.

Fast zwei Jahre lang hat Kristina Böhm – neben Haushalt und Familie - als Schwesternhilfe auf einer Krebsstation in einer Berner Klinik Kummer, Leid und Tod kennengelernt, bis sie selbst erkrankte und von der Schwester zur Patientin wurde. An den Betten schwerkranker Menschen und aus ihrer eigenen Erfahrung, sind ihre berührenden Lieder und kleinen hoffnungsvollen Geschichten entstanden. "Meine Lieder " wünscht sich Kristina Böhm „sollen all denen ein wenig Licht und Zuversicht geben, die vom Schicksal schwer getroffen sind und Trost brauchen". Bewusst hat Kristina Böhm einfache Worte gewählt, die so herzlich und ehrlich sind, daß sie jedem Menschen in Not Trost spenden und ihm das Gefühl vermitteln mit seinem Schicksal nicht allein zu sein. Von einsamen und nachdenklichen Stunden erzählt Kristina Böhm in ihrer Ballade "Meine Angst Dir geben". Ihren Kindern widmete sie das Lied "Meine Kinder, mein Leben" und für mehr Menschlichkeit plädiert sie mit "Es lebe der Mensch" und "Warum". Speziell "Warum" hat Kristina Böhm für ihren Vater, Karlheinz Böhm, geschrieben, den sie mit den Einnahmen ihrer CD in seinem Kampf gegen die Hungersnot in Äthopien unterstützen will.

Zusammen mit Andreas Christen hat Kristina Böhm bewußt ein eher leises und unaufdringliches Album produziert. "Einmal auf Wolken schweben" zielt nicht auf Verkaufscharts, hat nicht den Kommerz im Sinn, sondern ist mit seinen nachdenklichen, engagierten Texten ganz darauf ausgerichtet, Licht und Freude in die Herzen notleidender Menschen zu bringen. Als Schwesternhelferin auf einer Krebsstation in einer Berner Klinik und als Botschafterin der Grace P. Kelly Stiftung hat Kristina Böhm vielfach im Um-gang mit Kummer, Leid und Tod beigestanden und dabei die Erfahrung gemacht, dass sie mit ihren Liedern die Menschen positiv aufbauen, ihnen Trost spenden und ihnen das Gefühl vermitteln kann, mit ihrem Schicksal nicht allein zu sein.

Kristina Böhms Lieder beziehen einen Teil ihrer sanften, wohltuenden Kraft aus den eindringlichen, archaisch-einfachen Bildern, die ihren Geschichten zugrunde liegen. Ein solches Bild steht auch im thematischen Zentrum ihres neuen Albums, mit dem sie erneut die Arbeit der Grace P. Kelly-Stiftung unterstützt. Sie sagt: "Einmal auf Wolken schweben, alles von oben sehen...Ich glaube, dass dies für uns Menschen wirklich gut wäre. Wenn die Sorgen einen erdrücken und man einfach keinen Ausweg mehr sehen kann – wie wunderbar wäre es dann, alles von weit weg beobachten zu können...irgendwie wirkt dann alles nicht mehr so schlimm und man spürt in sich eine wunderbare Ruhe."

Lassen Sie sich von Kristina Böhms Liedern zu einer kleinen mentalen Wolkenreise verführen!

Stefan Zirkel versteht sich als klassischer Singer/Songwriter und liebt vor allem die Gitarre. Sie begleitet seine markante Stimme, die bei seinen Liedern im Mittelpunkt steht. Zirkels Geschichten kommen direkt aus dem Alltag. Durch seinen Beruf als Krankenpfleger lernt er viele verschiedene Facetten des Lebens kennen. Er ist Beobachter seiner Mitmenschen. Durch unzählige Kontakte und Begegnungen hat sich ein unerschöpflicher Topf voller Lebensgeschichten ergeben, aus dem er sich Inspiration holt.

Stefan Zirkel spielte bereits im Alter von 12 Jahren als Keyboarder, Gitarrist und Sänger in verschiedenen Bands und ist auf zahlreichen CD-Produktionen zu hören. Seit 2009 ist er mit seiner Band "SO!" unterwegs und spielt sowohl seine eigenen Songs, als auch die seiner Vorbilder Lennon, Simon und Taylor.

Seine Lieder versteht Stefan Zirkel als "musikalischen Lebensgenuss". Er erzählt gefühlvolle Geschichten, in denen sich jeder wiederfinden kann.

Lieder aus einer zeitgenössischen Alt-Wiener-Zauberposse

Die Lieder dieses Albums sind Teil eines Singspiels, einer unbekannten Zauberposse von Johann Nestroy. Dieses makaberetistische Naivicel - wie Nestroy es selbst nennt - erzählt von den Liebes- und sonstigen Abenteuern einer Marionette bei ihren nicht ganz freiwilligen Versuchen, ein Mensch zu werden. Warum ist diese Zauberposse noch immer unbekannt? Wahrscheinlich weil Nestroy dieses Singspiel erst nach seinem Tod geschrieben hat. Bekanntlich ist es aus Gründen der kosmischen Ordnung verboten, Zauberpossen, die nach dem Tod eines unsterblichen Dichters im Jenseits von ihm geschrieben werden, in einem unserer Theater aufzuführen. Dieser Umstand war Nestroy natürlich auch bekannt. Deshalb sollte sein Singspiel auch nur im Jenseits aufgeführt werden. Doch bei der Generalprobe des Stücks in einer Grotte der Unterwelt geschah das Unfassbare: Der Held seines kleinen Werkes, die Marionette Fetznschädl, konnte mit Hilfe des bösen Geistes Lumpazivagabundus, durch ein sogenanntes Lindwurmloch, sowohl aus der Unterwelt als auch aus der Zauberposse Nestroys fliehen. Seitdem lebt er unerkannt unter uns und versucht noch immer ein Mensch zu werden, denn seinem Schicksal kann auch eine Marionette nicht entkommen.

Aus verlagsrechtlichen und metaphysischen Gründen sind wir gezwungen darauf hinzuweisen, dass unser Künstler Fetznschädl laut eidesstattlicher Versicherung diese Marionette ist! Oder war! Oder was?

Studio: Ability Studios Starnberg

Toning: Wolfgang Graf

Producer: Stefan Melbinger

Git.: Achim Görres, Stefan Melbinger

Drums: Evert van der Wal

Keybords: Ladislav Rydl

Sax, Klarinette: Frank Löw

Bachtrompete: Wolfgang Vetter

Vocals: Fetznschädl, Janine Olsen

Aufgenommen 1994 Verloren 1995 Wiedergefunden 2017