POP Die Künstler A-Z im Überblick

POP Die CD's mit Produkt- und Künstlerinfos

Dies ist in der Tat mein letztes Album, das ich veröffentlichen möchte und werde. Und zwar nicht nur auf den digitalen Plattformen sondern richtig. Und richtig heißt: Analog, na ja quasi (ist ja ne CD), mit einer schön gestalteten Hülle und so richtig zum Anfassen. Etwas für Menschen, die Qualität und Authentizität in diesen unfassbar schnelllebigen und beliebigen Zeiten zu schätzen wissen - und noch einen CD-Player haben...😎

Ich habe mich in den vierzig Jahren, in denen ich mich in diesem Musikbusiness herumtreibe, immer bemüht, originelle Geschichten zu erzählen, die etwas mit dem Alltag der Menschen zu tun haben, mit denen sie sich identifizieren können. Über die sie schmunzeln oder lachen konnten - oder auch mal nachdenklich wurden und gelegentlich vielleicht auch eine kleine Träne verdrückten. Ich habe leider in den letzten Jahren verstärkt den Eindruck gewonnen, dass die Zeit dieser Geschichten vorbei ist. Wir haben verloren gegen die Lautsprecher der Banalität und des aufgeblasenen Bombastes. Das gilt sowohl national wie international. Verkaufsstrategie (Marketing) schlägt Substanz. Die digitale Diktatur frisst ihre Kinder. Natürlich gibt es immer noch die musikalischen Nischen, die auch ihr Publikum finden. Und ich freue mich immer, wenn ich neue Projekte und Künstler (innen) entdecke, die wunderbare Musik machen, ohne auf den Mainstream oder TikTok und Konsorten zu schielen.

Und was hat das jetzt alles mit diesem Album zu tun? Eine ganze Menge! Und warum das letzte Album von Dirk Busch auf englisch? Kommt jetzt gleich...

Ich bin musikalisch sozialisiert durch amerikanische Musik, nicht durch den deutschen Schlager (wenn man mal davon absieht, dass ich der Familiensage nach Lale Andersen's "Blaue Nacht, oh blaue Nacht im Hafen" als Vierjähriger perfekt singen konnte). Deutsches Liedgut fand ich immer nur gut, wenn die Story witzig war (Bill Ramsey, Hazy Osterwald Sextett, Hans Arno Simon etc.) oder einen gesellschaftspolitischen Kick hatte (Udo Jürgens z.B. oder Reinhard Mey). Der übliche deutsche Schlager hat mich nie sonderlich interessiert. Und wenn man etwas aufmerksamer meine Produktionen und Veröffentlichungen in den letzten vier Jahrzehnten unter die Lupe nimmt, wird man erkennen, dass die Produktionsweise, die Arrangements, die Instrumentierung sich deutlich unterscheiden von den typischen deutschen Produktionen aus der gleichen Zeit. Langer Rede kurzer Unsinn:

Dieses Album ist back to the roots. Kleine, melodiöse Geschichten über die Liebe, vermutlich das wichtigste Thema unseres Lebens. Elf eigene Songs, die im Laufe der Jahre entstanden sind, darunter ein paar neue, bislang nicht veröffentlichte, und vier Songs von Menschen, Künstlern, die für mich immer Koordinaten waren, die einen früher, die anderen später: Gordon Lightfoot, Jim Croce, J.J.Cale und Mark Knopfler. Songwriting at its best! Ich hoffe, dass diese wunderbaren Musiker und Schreiber meine Songs auch akzeptieren würden als einen Beitrag zum substanziellen Songwriting.

Aber was wäre ein solches Album ohne die Musiker, die einen erheblichen Anteil am Gelingen dieses Album tragen? Mein großer Dank gilt vor allem meinen langjährigen Mitstreitern KARSTEN GÜNTHER und DIRK SCHLAG, die mit großem Engagement und wunderbarer Musikalität als Arrangeure, Keyboarder, Gitarrist, Bassist, Drummer, Percussionist etc. die Sachen umgesetzt haben, die ich im Kopf hatte. Darüber hinaus haben weitere Musiker einen großen Anteil an diesem Album, so zum Beispiel Uli Beckerhoff, Flügelhorn, Ulrich König, Oboe, und Lars Slowak, Bass. Und meine amerikanischen Freunde in Florida: Jack Shawde, E-Gitarre, Mike Menell, Bass, und Götz Kujack, Drums, sowie back to Germany bzw. Dänemark : Nils Tuxen an der Pedal-Steel.

Danke für euer Engagement und euer Können! Ein Ami würde vermutlich sagen: I very much appreciate your talent!

Zu guter Letzt muss ich ein Geständnis ablegen. Wenn man Wochen, Monate und Jahre mit dem Schreiben und Produzieren von Songs beschäftigt ist, hat man diese so oft gehört und an ihnen gefeilt, dass man als Künstler (zumindest gilt das für mich) das fertige Produkt gar nicht mehr so wertschätzen kann. Was heißt, dass ich eigentlich nach abgeschlossener Produktion meine LP's und CD's nur zur Endkontrolle aber nie gerne zum privaten Gebrauch gehört habe. Das ist bei diesem Album zum ersten Mal völlig anders. Es ist das einzige Dirk Busch-Album, das ich mir auch ein paar Mal hintereinander anhören kann, bei einem guten Glas Wein und einem interessanten Buch - oder auch einfach so.

Und genau deshalb sind diese "Special Love Songs" aus meiner höchst subjektiven Sicht das perfekte Material für mein "Last Album". Wäre ich Amerikaner, würde ich einfach nur sagen: Enjoy!"

Herzlichst, Ihr/Euer Dirk Busch

Potsch Potschka, bekannt als Rockgitarrist bei Lokomotive Kreuzberg, Nina Hagen Band und Spliff, hat mit "Timeless" diesmal ein Pop-Album produziert.

Unterstützt haben ihn dabei seine "Friends", Wolfy Ziegler am Bass, Johannes Zeiss an den Drums und die 4 Sänger/innen Amber Meisner, Gundula Ulbrich, Grant Stevens und Mischa Mang.

Es hat Potsch sehr viel Freude gemacht, mit ihnen zu arbeiten und sich mit ihnen in neue musikalische Gefilde zu begeben. Entstanden ist ein interessantes, abwechslungsreiches und zeitloses Pop-Album.

Mit "All The Best" veröffentlichen Inker and Hamilton, das englisch - neuseeländische Duo, ihre erste Hitcompilation. Begonnen hatte alles Ende der 70er Jahre. Hilary Hamilton, die sich aus ihrer Heimatstadt Wellington/Neuseeland und einem als zu einengend empfundenen Musikstudium aufgemacht hatte, die Welt kennenzulernen, traf den hochaufgeschossenen, in Bristol geborenen und in der Nähe Londons aufgewachsenen Dave Inker, der als versierter Studio-Gitarrist und mit einem ersten Solo-Album ein Begriff in der Musikszene war. "Wir haben irgendwo mal zusammen gespielt und es war ganz merkwürdig, wir haben uns ohne viel Worte musikalisch gleich verstanden", erinnert sich Dave. Von da an entwickelte sich der gemeinsame Weg von Inker & Hamilton nach einer ganz eigenen inneren Logik. Nachdem die beiden 1979 zunächst ihre noch auf eigene Rechnung vertriebene Low-Budget-Debüt-LP "Highs And Lows" veröffentlicht hatten, hatten sie für ihre Alben "Person To Person" (1981) und "Double Feature" (1983) mit Sony Music bereits eine Major-Company als Partner. Als 1984 ihr viertes Longplay-Werk "The Mind And The Body" (Metronome) erschien, waren Inker & Hamilton längst gern gesehene Gäste bei Funk und Fernsehen, und hatten eine überaus erfolgreiche Europatournee im Vorprogramm von Chris de Burgh hinter sich. Es dauerte vier Jahre, bis die beiden wieder mit einem Album von sich reden machten. Mit "Dancing Into Danger" (WEA, 1988) schafften sie erstmals den Einzug in die Top 50 der offiziellen Media-Control-Charts und hatten in Form des Titeltracks einen veritablen Hit: 14 Wochen hielt sich der Song "Dancing Into Danger" in den Single-Charts und erreichte die Top Ten. Weitere vier Jahre später veröffentlichten Inker & Hamilton ihr bisher erfolgreichstes Album "Poetry In Motion", mit dem das Duo nun auch erstmals Charterfolge außerhalb Europas feiern konnte. Und wieder vier Jahre später erschien 1996 das siebte Album "Dialogue", aus dem die ausgekoppelten Singles "Faith, Hope & Fortune" sowie "Soul Guardian" ebenfalls die Charts erreichten. "All The Best" enthält neben all den Hits der letzten zwanzig Jahre auch die Single "Call Your Name".

Begonnen hatte alles Ende der 70er Jahre. Hilary Hamilton, die sich aus ihrer Heimatstadt Wellington/Neuseeland und einem als zu einengend empfundenen Musikstudium aufgemacht hatte, die Welt kennenzulernen, traf Dave Inker, der als versierter Studio-Gitarrist und mit einem ersten Solo-Album bereits ein Begriff in der Musikszene war. Nachdem die beiden 1979 zunächst ihre noch auf eigene Rechung vertriebene Debüt-LP 'Highs And Lows' veröffentlichten, fanden sie für ihre folgenden Alben 'Person to Person' (1981) und 'Double Feature' (1983) mit Sony Music eine Major Company als Partner. Als 1984 ihr vierter Longplayer 'The Mind And The Body' erschien, hatten sie sich mit ihrem eigenen Sound, der sich am ehesten als Melodic-Rock bezeichnen läßt, bereits einen Namen gemacht und eine Europatournee im Vorprogramm von Chris de Burgh hinter sich. Es dauerte 4 Jahre, bis Inker & Hamilton wieder mit einem Album von sich reden machten: Mit 'Dancing Into Danger' (WEA, 1988) schafften sie erstmals den Einzug in die Top-50 und die gleichnamige Single hielt sich 14 Wochen in den Charts. Das 1996 erschienene Album 'Dialogue' stellt mit seinem reifen und melodiösen Pop die bisher gelungenste Quintessence aus der ereignisreichen Geschichte des Duos dar.

Hier hat sich jemand ins Wohnzimmer gesetzt und ganz aus Versehen ein tolles Pop-Album geschrieben!

Das erste Soloalbum des Ex-LSD-Sängers kommt als ein Missing Link aus Singer/Songwriter und einem Pop/Rock-Album, welches gut auf jedem Sender dieser Welt laufen kann. Die Trumpfkarten dieses Albums liegen eindeutig im exzellenten, wunderschönen Songwriting und der ungemein anfassenden Stimme des Brachial-Romantikers. Sangit singt und schreit, flüstert und bekennt und erzählt von Licht und Schatten und davon, dass man irgendwie beides braucht. Und natürlich von der Liebe und von dem, was uns manchmal von ihr trennt.

So erschließt sich der Reigen der 13 Titel von traditionellem Gitarren-Pop überEthno/Shamanisch bis hin zu eher bluesigen Songs. Weniger meditativ und keyboardlastig als noch zu LSD-Zeiten, dafür aber mit solider Gitarrenarbeit, ist der neue Sound griffiger und konkreter und dabei gespickt mit radiotauglichen Hooklines, die man ohne rot zu werden, jeder zukünftigen Schwiegermutter ans geöffnete Herz und natürlich auch Ohr legen kann.

Der rote Faden ist hierbei immer die Stimme und der, auf den ersten Blick eher unauffällige und gänzlich unheroische Einsatz der Gitarren. Auf den zweiten Blick entpuppen sie sich dann als sehr songdienlich und bergen ihre Kunst viel eher im Entwickeln der einzelnen Note und in der Unterstützung der Komposition.

Das Sangit ganz im Ursprung seiner Musikerseele ein begnadeter Bassist ist, kommt auf dieser, komplett im Alleingang herstellten Platte, auch zum tragen und tut den einzelnen Songs gut. So finden die Vokallinien immer ihre Entsprechung auf einem der nächsten Instrumente, vorzugsweise auf einem streckenweise recht virtuos eingesetzten

Fretless - Bass.

HIGHTIME. Endlich ist es da. Das langerwartete zehnte Album von SACCO & MANCETTI.

Eingespielt in einer abgelegenen Finka in Spanien, gemastert in London von Mike Oldfield`s Weggefährten, dem großartigen Simon Heyworth und gehört auf der ganzen Welt!

Die Band konnte in den relaxten recording sessions einen ganz einzigartigen Sound einfangen. HIGHTIME zeigt eine deutliche Weiterentwicklung zu den Vorgänger-Alben und hat alle Zutaten für einen neuen Klassiker. Beeindruckendes Songwriting, coole, kraftvolle und stoische Grooves, ausdrucksvolle Stimmen und Gitarren, die singen und weinen, aber auch krachen und scheppern. Vierzehn Titel, stilistisch zwischen modern R&B und Westcoast, mit unverkennbaren Wurzeln im Country und erfrischenden Ausflügen in neue musikalische Gefilde. Sacco & Mancetti haben das Gespür für ihr Publikum und ihre Spielfreude bewahrt. HIGHTIME lässt das fühlen und hören. Die Fangemeinde wird es danken.

BIOGRAFIE:

Drei Jahrzehnte und zehn Alben gibt es sie nun schon und die „Saccos“ haben jede Menge Geschichten zu erzählen. Geschichten aus dem Musikerleben, mit allen ups and downs, Hoffnungen, Rückschlägen und Erfolgen. Sacco & Mancetti, ein Stück deutsche Rock-History. Die Musiker sind daneben auch tätig in durchaus bürgerlichen Berufen, was sich aber nicht ausschließt sondern im Gegenteil ergänzt und befruchtet. Ein Sänger und Gitarrist, der als Architekt Papstkreuze entwirft und Krankenhäuser baut, ein Bassist, der als Rechtsanwalt Millionenprozesse führt, ein Schlagzeuger, der als Medien-Designer Kreatives materialisiert und ein zweiter Gitarrist, der als Sozialarbeiter mit einem Inklusionsprojekt Platten produziert.

Die Saccos zeigen seit 30 Jahren eine Haltung, die sagt, wir gehen da durch, unseren eigenen Weg, und wir gehen diesen Weg gegen alle Widerstände und ohne Rücksicht auf Zeitgeist, Moden, Mainstream oder Kollateralschäden, es wird nie aufgegeben sondern immer weitergemacht, und zwar laut. Rock`n Roll halt.

Begonnen hat alles 1986 in Regensburg. Fünf junge Wilde gründen eine Band, zunächst spielt man über Jahre in Süddeutschland jeden greifbaren Laden. Thomas Gottschalk entdeckt die Truppe dann 1989 für ein Major-Label, darauf geht es Schlag auf Schlag. 1990 der Radio-Hit „Rainbows End“, Konzertreisen, TV. Von Berchtesgaden bis Flensburg, von Wien bis Zürich wird alles bespielt, alle paar Jahre ein neues Album mit besten Kritiken, mit Fans weltweit, bis heute. Von der Urbesetzung sind noch dabei Jockl Peithner und Herbert Schwarzfischer, Reinhold („das Tier“) Keck und Helmut („the rock“) Süttner sind 2002 bzw. 2008 eingestiegen.

Und nun wäre man wieder bei den Geschichten. Container voll Sacco-Platten, die im Hamburger Hafen liegenbleiben, was letztlich einen Welthit sabotiert, Geschichten von großen A&R-Visionen und Luft-Nummern, von Aufnahme-Sessions im legendären Can- Studio in Köln oder einem Recordingtrip nach Memphis Tennessee, von Freiluft-Shows bei 20 Grad unter Null, von Engagements als Begleitband der Fürstin Gloria von Thurn und Taxis, vom denkwürdigen Konzert 2010 in der Justizvollzugsanstalt Landsberg am Lech und Geschichten, die man hier besser nicht aufschreibt. Reifer sind sie über die Jahre geworden, die Saccos, natürlich, aber nicht alt und schon gar nicht ruhiger.

Sacco & Mancetti, das ist eine unverwechselbare Mischung aus Rock und Country - ein Sound der in seiner Authentizität und Beständigkeit unzählige Fans gewonnen hat. Sacco & Mancetti haben seit ihrem Charterfolg "Rainbow´s end" 8 Alben produziert und sind mit ihren Songs europaweit auf Tour.

Jetzt endlich ist es soweit - ein eher zufälliger Mitschnitt eines Konzertes in der Justizvollzugsanstalt Landsberg am Lech im Mai 2010 steckte voll soviel Atmosphäre und Spielfreude, dass sich die Band entschloss, ihr erstes Livealbum zu veröffentlichen.

"Live at the Speisesaal" ist die Momentaufnahme einer einzigartigen Performance mit der Bandbreite der besten Songs von Sacco & Mancetti aus 20 Jahren Bandgeschichte.

SACCO & MANCETTI legen das langerwartete Album Nr. 9 , „Cry Baby“. Track für Track per Hand eingespielt, ohne jede Rücksicht auf trendy mainstream oder modische Verirrungen. Die Saccos sind authentisch und sich treu geblieben und haben 16 tolle Songs eingefangen. Echte Songs, stilistisch aus der Ecke Rock & Country. Songs, die leben, von Melodien und kraftvollen Beats, von Gitarren die lärmen, scheppern und schmeicheln.

Produziert in Regensburg, München und London setzt dieses Album ein Highlight in der deutschen Rockgeschichte. Sacco &Mancetti zählen zu den wenigen deutschen Rockbands, die über Jahrzehnte Kontinuität und Entwicklung aufweisen. Und das hört man auf „Cry Baby “.

Mit „ Bad candy“, „ My girl rocks the nation “ und „ Love in the kitchen “ findet die Band zurück zu einer ursprünglichen Härte, die Grooves von „ My wild cat at the door “ „ Craddle of love “ und I swear “ drängen und packen. „ Some angels fall “ und „ Dancing andcheating “ gehen bis zur Grenze der möglichen Rührung, bleiben aber absolut glaubwürdig. „ Stand on it “ als Single-Auskoppelung führt in die Romantik der 60er. Klingende Gitarren und anrührender Satzgesang geben diesem Titel eindeutige Chartqualität und eine Atmosphäre, der man sich nicht entziehen kann.

SACCO & MANCETTI sind mit „ Cry Baby “ höchsten Erwartungen gerecht geworden und legen ein Album vor, das überzeugt.

Track für Track per Hand eingespielt, diesmal im Spirit des traditionsreichen CAN Studios in Köln, begleitet vom Produzenten René Tinner, (Can, Westernhagen ) ist es Sacco & Mancetti nach einer Umbesetzung gelungen, ihre musikalische Entwicklung auf das Wesentliche zu bringen. Dies in 13 Songs, eigenständig, kraftvoll und relaxed, schlicht instrumentiert und arrangiert, inspirierte Songs mit klassischem Rock und Country-Appeal.

Mit dem Eingangsknaller "Sweet Nothing" zeigen Sacco & Mancetti, was Gitarren wirklich sagen können. Mit dem atmosphärischen "Help Me Crying" und "Call Me Your Nothing" bewegen sich Sacco & Mancetti auf neuen Höhen ihrer vokalen Ausdruckskraft. Mit "Morning Won´t Come" unternehmen die vier Regensburger einen Ausflug in die Welt der Cantina´s, mit "Mud On The Dancefloor" einen Ausflug ins Discogenre.

Auch mit den slow groove Titeln "Old Boys Dream On" - dieser Titel ist begleitet vom großartigen Helmut Zerlett an seiner großartigen Hammond-Orgel - "SlowTo Me" und "Love Is In Town" zeigen Sacco & Mancetti, dass sie trotz neuer Härte ihre romantische Seite nicht verloren haben. "Supersonic", ein Album, das neue Maßstäbe setzt.

Die Band hat in ihrer rund zehnjährigen Karriere schon so manches er-lebt: Hits wie "Rainbow's End“, zahlreiche Radio- und TV-Events, hunderte von umjubelten Konzerten ... Längst ist die Band aus Regensburg Kult für viele, viele Fans. Der Grund für diese Euphorie: Sacco & Mancetti geben immer ihr Bestes. Diese Einstellung, gepaart mit einer guten Prise hintersinnigen Humors, macht die Band so einzigartig und sympathisch. Jetzt kommt ihr Album "Memphis". Egal ob sie damit die Hitparaden erobern werden oder nicht - mit Abstand das Beste, was Sacco & Mancetti jemals auf CD gebracht haben. Die Reise nach Amerika hat sich gelohnt. Und wie! Für zwei Wochen hat die Band das ehrwürdige Easley-Studio in Memphis, plus Studio-Sängerinnen Melinda Rodgers und Jackie Johnson gebucht. Ohne fertige Songs im Reisekoffer ist man in die Südstaaten-Metropole eingeflogen. Motto: Mal sehen, was passiert und: Es ist eine Menge passiert. Die Stadt, in der Elvis seine letzte Ruhestätte fand und in der B.B. King leibt und lebt, verfehlte ihre Wirkung nicht. Nie hörte man Sacco & Mancetti inspirierter, beseelter oder authentischer, als auf den 15 neuen Songs von "Memphis". Das waren magische Momente, die Musik ist von selbst entstanden. Wer die neuen Songs hört, hat daran keinen Zweifel. Das Album strotzt vor guten Einfällen und Spielfreude. Mehr noch: Es portraitiert eine Band, die zwar aus einer (so sagt man) provinziellen Region stammt - die aber in Punkto Musi-kalität selbst hohen internationalen Maßstäben gerecht wird. Relaxter und gleichzeitig motivierter hörte man wohl selten eine deutsche Band eigene Songs interpretieren. So ist dies die einzigartige Momentaufnah-me einer starken Band, die mit "Memphis" zweifellos einen Höhepunkt ihrer Kreativität erreicht hat.

Oops, he did it again! Schon wieder ein englischsprachiges Album, obwohl er weiß, dass man von ihm doch eher deutschsprachige Songs erwartet?

Na und? Ist das ein Grund, dass ein Künstler nicht das tut, wonach es ihn drängt? Ich bin mit amerikanischer Musik durch Austauschschüler in meinem Elternhaus großgeworden, und in vielen meiner deutschsprachigen Produktionen hört man auch diese amerikanischen roots mit der Vorliebe für handgemachte Musik ohne aufgeblasenes Computergedöns und Keyboard-Orgien. Manchmal ein bisschen Folk, manchmal ein bisschen New Country-Rock, gerne auch Balladen. Vor allem aber Geschichten erzählen, die Hand und Fuß haben und mit dem Leben, seinem Sinn, seinem Spaß, aber auch seiner Endlichkeit zu tun haben.

"Gelingendes Leben", darum geht es mir immer wieder! Scheitern ist sexy, ich weiß, und darum sind die großen tragischen oder auch pseudotragischen Songs immer so erfolgreich. Sorry, damit kann ich leider nicht dienen. Ich bin - um mit dem berühmten Philosophen Ernst Bloch zu sprechen - ins Gelingen verliebt. Daher haben (fast) alle meine Songs einen eher versöhnlichen, positiven Grundton, der hoffnungsvoll ist, obwohl (oder gerade weil) der Zustand der Welt großen Anlass zum Zweifel, ja zum Verzweifeln gibt.

Dieses Album ist das Ergebnis eines kleinen Schreibrausches nach einem mehrwöchigen USA-Aufenthalt (lange nachdem wir unseren Wohnsitz in den USA aufgegeben hatten). Es strömte regelrecht aus mir raus, und es entstanden eine Reihe von neuen Songs, die ich mit der großartigen Gitarrenarbeit von Dirk Schlag und den einfühlsamen Arrangements von Karsten Günther umsetzen konnte. Zum ersten Mal seit vielen Jahren ist auch Wolf Codera mit seinem eindringlichen und emotionalen Saxophon bei einem Song wieder dabei, und besonders hat mich die Mitwirkung von Ulrich König von der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen mit seiner gefühlvollen Oboe gefreut. Nicht unerwähnt soll schließlich bleiben, dass mich mein Co-Texter Mark Woodlake immer wieder mit wunderbaren Vorschlägen, Formulierungen und Bildern überrascht hat. Ihnen allen gilt mein herzlicher und tief empfundener Dank!

Daher zum Schluss noch mal zum Warum: Es klingt einfach alles so, wie es klingen muss, es sind eingängige und unkomplizierte Songs mit Geschichten, die Sinn und Verstand haben, and finally:

Dirk Busch klingt auf Englisch einfach gut! :))

Dirk Busch, seit mehr als dreißig Jahren erfolgreicher Singer-Songwriter in Deutschland mit diversen Charthits, wuchs mit amerikanischer Musik in seinem Elternhaus auf. Er kam überhaupt zur Musik durch amerikanische Austauschschüler, die ihn mit ihrer Ungezwungenheit und Spielfreude nachhaltig beeindruckten. Insbesondere Singer-Songwriter wie Jim Croce, Harry Chapin, Gordon Lightfoot und andere, aber auch die Songs eines Neil Diamond oder Mark Knopfler beeinflussten ihn als Komponisten und Texter nachhaltig. Obwohl die stilistische Bandbreite von Dirk Busch sehr groß ist (wie auch die thematische Vielfalt seiner Texte über die Jahre hinweg), hat er seit vielen Jahren eine besondere Vorliebe für leise Töne und emotionale Geschichten mit Substanz und Tiefe, die immer nahe am Leben der Menschen sind. Darüber hinaus ist nicht nur er der Meinung, dass seine nuancenreiche Stimme mit Balladen besonders gut harmoniert.

Mit SMOOTH hat er nun seine schönsten Liebeslieder und Balladen in englischer Sprache zusammengefasst. Elf Titel davon sind Neuaufnahmen und wurden bislang nicht auf englisch veröffentlicht. Auf die Frage, warum gerade 19 Songs, antwortet er spitzbübisch lächelnd mit dem Titel von einem der neuen Songs: JUST BECAUSE!

Die Geschichte dieses Albums ist einfach und schnell erzählt. Als Dirk Busch, erfolgreicher deutscher Songschreiber und Sänger mit diversen Charts-Plazierungen, sein letztes Album "Keine Tricks" für die Polydor in den USA einspielte, gab es einige unerwartete Reaktionen von Seiten der beteiligten Musiker. Bekannte Studiogrößen wie Carlos Vega (u.a. Drummer bei Vince Gill, Reba McIntyre, James Taylor etc. ) oder Jimmy Johnson ( u.a. Bassist beiReba McIntyre, James Taylor etc.) fragten ihn erstaunt, ob er denn nur auf deutsch singen würde. Die Songs wären doch sehr stark ("highly competitive") und würden sicher sehr gut auf englisch klingen. Und seine Stimme und die Art des Gesangs würden haargenau in die moderne New Country-Szene passen, in der es ja seit einigen Jahren auch zunehmend Popelemente gäbe. Da sich Dirk Busch ohnehin immer als "storyteller" verstanden hat, war dieses Lob von berufener Seite Anlass und zugleich Ansporn, noch ein paar neue Songs zu schreiben und die Idee in die Tat umzusetzen.

Sicherlich war es für die Realisierung hilfreich, dass Dirk Busch seit einigen Jahren einen zweiten Wohnsitz an der Ostküste der USA hat und mehrere Monate im Jahr in den USA verbringt. Dadurch sind ihm auch das amerikanische Lebensgefühl und die amerikanische Musik sehr vertraut. Darüber hinaus hat er in den letzten Jahren schon einige Produktionen mit amerikanischen Künstlern (so u.a. mit dem langjährigen Gitarristen der Commodores, Douglas Datwyler, oder dem in Los Angeles lebenden Pianisten David Scott) in den USA für den internationalen Markt produziert, so daß es auch keine Schwierigkeiten gab, die entsprechenden Musiker und Studios für das Projekt zu bekommen.

Auch unter musikalischen Gesichtspunkten ist Coming Home wie ein Heimspiel für Dirk Busch, denn Country-Music hat er schon als kleiner Junge gehört und gemocht und viele amerikanische Titel später mit seinen Live-Bands auch auf der Bühne gespielt. Zudem haben ihm nicht wenige Kollegen und Branchen-Insider in den letzten Jahren immer wieder gesagt, daß man diese "country-roots" bei vielen seiner deutschen Erfolge heraushört. Herausgekommen ist mit Coming Home eine überzeugende Produktion auf hohem Niveau und ein sehr schönes und abwechslungsreiches Album mit tollen Balladen und frischen, mitreißenden Songs.

Jack Hardy ist einer der besten Songpoeten New Yorks! Nach vielen LPs in den 70er und 80er Jahren erschien Brambus Records 1989 mit "Retrospective" und 1990 mit "Through".

Das Album BARBARA ZANETTI 74, erschienen in Zusammenarbeit mit dem Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V., ist sicherlich Höhepunkt ihrer überzeugenden Suche nach Unverwechselbarkeit und Eigenwilligkeit in Text und Musik.

Die Zahl „74“ bezieht sich dabei auf Barbara Zanettis 7 Studioalben und 4 CD-Singles, bzw. auf das Jahr 1974 als ihr Geburtsjahr.

Große Auftritte der vielseitigen Künstlerin gab es u.a. im Bundeskanzleramt in Berlin anlässlich des ersten deutsch-amerikanischen Freundschaftsfestes (The Bridge New York/Berlin), beim Europäischen Liedermacherfestival „Songs an einem Sommerabend“ sowie beim Kulturfestival XONG im Dreiländereck. Dazu kommen noch zahlreiche Auftritte bei ZDF, ARD, ORF, BR, SWR und RAI.

Das aktuelle Album wurde in der Kategorie Folk/Singer-Songwriter in der Longlist 2015, der Bestenliste für den „Preis der Deutschen Schallplattenkritik“, nominiert.

Bisherige Auszeichnungen:

Radio 4 Sound Award als „Best Female Artist“

Radio Song Contest Award 2013 in der Kategorie Pop- Rock International - Platz 2

Most Emotional Song 2013

"Es geht um mehr" ist im Dezember 2006 erschienen. Begünstigt durch ihre Heimat Kaltern in Südtirol, der unter einigen Aspekten bereits südländisch anmutenden nördlichsten Grenzregion Italiens und Schnittpunkt zweier Kulturen, weiß Barbara Zanetti diese Chance kultureller Vielfalt zu nutzen.

So ist sie mit Erfolg in mehreren Sprachen zu Hause und vermag sich in den unterschiedlichsten Genres selbstsicher und mit Charme zu bewegen. Eigenkomponierte und -getextete deutsch-, italienisch- und englischsprachige Songs, vorwiegend mit Balladencharakter und von erzählerischem Crescendo, waren bereits auf dem Debüt-Album „How Could I Forget“ zu hören und verdichten sich hier zu einer überzeugenden Mischung von bewegenden, leidenschaftlich-melancholischen Titeln in dynamischen, rockig-warmen Tönen.

Das Debutwerk von Barbara Zanetti ist mehr als ein abwechslungsreiches Cross-over-Pop-Album. Die Stilrichtung der zwölf Eigenkompositionen ist ebenso unterschiedlich wie die Sprache (englisch, italienisch und französisch), in der sie vorgetragen werden.

Ein wenig Blues, ein Hauch von Jazz, Drum & Bass, leicht chillige bis groovige Ambient-Einflüsse treffen aufeinander, ohne dabei die grundsätzliche Orientierung an Pop-Rock zu verleugnen oder zu verfälschen.

Das Live Album "Playing for Hope" e.V. ist liebevoll zusammengestellt aus den Konzerten von 2014, 2015 und 2016.

Die CD-Erlöse gehen an Hope e.V.

"In Kenia wächst eine Generation heran, die etwas verändern will. Wir können nur anstoßen, gestalten wird sie selbst."

(Arno Köster, Udo Lindenberg Stiftung. Moderator Playing for Hope Konzerte)

Marc Roca ist Vollblutmusiker mediterraner Herkunft. Seine musikalischen Erfahrungen sammelte er als Sänger und Gitarrist in unzähligen Bands, wobei er früh anfing seine eigenen Songs zu schreiben. Beeinflusst wurde er von berühmten Vorbildern, die von Dylan bis Sting reichen.

In seinem Album 'Odyssey' veröffentlicht Marc nun elf seiner Songs unter dem Label Brother Records. Produziert wurde das Album von Vilko Zanki im legendären Kangaroo Digital Audio Studio in Karlsdorf. Namhafte deutsche Musiker wirkten bei den beiden Aufnahmensessions mit.

Der Singer‐Songwriter zieht mit seiner sehr emotionalen und ausdruckstarken Art zu Singen den Hörer sofort in den Bann. Von poppig‐rockigen Stücken bis zu sehr gefühlvollen Balladen geht es stellenweise sehr poetisch zu, doch immer authentisch. In seinen englischen, autobiografisch geprägten Texten geht es um die elementaren Themen des Lebens wie Liebe, Sehnsucht und Einsamkeit, aber auch um Selbstreflexion und Rückblick. Erdig, kraftvoll und akut ohrwurmverdächtig!

Auf seiner EP veröffentlicht Marc Roca erstmalig fünf seiner Songs unter dem Label Brother Records. Produziert wurde die EP von Vilko Zanki im legendären Kangaroo Digital Audio Studio. Namhafte deutsche Musiker wirkten bei den Aufnahmen mit, wie z.B. der Bassist Willy Wagner (R. Reiser, E. Zanki), der Gitarrist Kosho (Söhne Mannheims) und der Keyboarder Florian Sitzmann (X. Naidoo). Drums: Moritz Müller, Backing Vocals: Silvia Dias, Engineer: Thomas Mark.

Der Musikstil der EP liegt zwischen Gitarren‐Pop und Singer‐Songwriter. Der erste Titel 'Nightfall' kommt in einem poppigen Sound daher, der mit einem unkonventionellen 7/4‐ Takt und einer fesselnden Hookline sofort in die Beine und ins Herz geht. Der zweite Titel 'Day by Day' ist in klassischer Songwriter‐Manier geschrieben und ebenfalls ein riesen Ohrwurm. Der Titel 'Let's keep it up' mutet schon fast rockig an und geht richtig nach vorne. 'Odyssey' erinnert von der Instrumentierung an große Gitarren‐Hits der 1960‐70 er Jahre. Den emotionalen Ausklang bildet die sehr erdige und poetische Ballade 'On the horizon'. Allen Stücken gemeinsam ist die ergreifende Stimmung und Energie, transportiert durch ausgefeilte Arrangements, mitreisenden Rhythmen und großartigen Melodien, vorgegeben durch Marc's prägnante Akustik‐Gitarre und seinem einzigartigen Gesang.

Neben handgemachter, bodenständiger Volksmusik „mit Pfiff“ setzt die rotzfreche Koitaboch-Musi aus dem Werdenfelser Land rund um Garmisch-Partenkirchen zu späterer Stunde bei Ihren zahlreichen Auftritten auch seit vielen Jahren auf stimmgewaltige Rock´n Roll und Country-Klassiker, die urig und mit den gleichen Instrumenten interpretiert werden und so kurzum „a bissl boarischer“ klingen. Die vielen Engagements im Ausland (Las Vegas, Südafrika, London etc.), wo sich diese einzigartige Kombination ebenfalls bestens bewährt hat, führten kurzerhand zur Übersetzung des Bayrischen Bandnamens „Cold Creek Music“. Interessanterweise verstehen seit der offiziellen „Zweisprachigkeit“ auch immer mehr „Preissn“ den original Gruppennamen, der angelehnt an den Koitaboch im Wettersteingebirge ist. Nach Beendigung der Aufnahmen 2015 verstarb überraschend auf Tour Bassist Michael Hechenrieder, dem das Album jetzt gewidmet wird.

“Time Has Come” - passender könnte man ein erstes Solo-Album kaum betiteln. Nach Jahren in Rock-Bands hat Craig Gerber einen Schritt gewagt, über den er lange nachgedacht hat: ein Soloalbum aufzunehmen. „Time Has Come“ - die Zeit ist gekommen. Ein genauerer Blick auf die Chorus-Zeile des Titelsongs offenbart noch viel mehr: „Time has come today for us to live our lives the way we always wanted to but never really dared.“ Gerbers meist autobiografische musikalische Geschichten haben eine gemeinsame Kernaussage: Egal wie dunkel es im Moment aussehen mag, egal wie weit unten du dich fühlst – es gibt einen Lichtblick. Gerber vertraut fest auf die Existenz einer besseren Seite, ganz egal wie düster sich eine Situation auch darstellt. Dafür bedient er sich in „Hard Winter“ eines Motivs aus dem christlichen Glauben: „Hard winter, she's decending down like a stone before some famous tomb / three days won't be long enough to raise me from this dusky, dusky gloom“. Kaum ist die Zeile verklungen, folgt mit einem harmonisch unterlegten E-Gitarre-Solo die Auferstehung. Es ist einer der Höhepunkte des Albums: Mit Harmonien hebt er den Zuhörer auf eine höhere Ebene. Ein Spiel, das Gerber aufs Trefflichste versteht. In der Folk-Tradition, aber mit den Mitteln einer Indie-Rock-Band und in der musikalischen Sprache seiner Vorbilder, Elliot Smith und Nick Drake, erzählt der Amerikaner Geschichten, die er mit dem passenden Soundtrack unterlegt. Kein Solo-Gedudel, kein überdimensionierter Pomp; er gibt den Stories die passende musikalische Atmosphäre. Irgendwann im Leben so ziemlich eines jeden Songwriters kommt der Moment, an dem er sich entscheiden muss, eine Art Gabelung. Die eine Straße ist breit - sie kann bequem von mehreren Leuten nebeneinander beschritten werden. Die andere Straße ist schmal - auf ihr hat maximal einer Platz. 
Für Craig Gerber, geboren in Minneapolis, Minnesota, war die Wahl der Straße lange eindeutig: Seine Vision von Post-Punk in den 1980ern als Weggefährte von Hüsker Dü, Soul Asylum, Sonic Youth oder den Kyuss-Ablegern Screaming Trees verlangte eindeutig nach dickem Sound. Auch im "richtigen Leben" galt es derweil, an Abzweigungen die richtigen Entscheidungen zu treffen. Nach Erfolgen mit seinen Bands Badthing und Process Blue verließ er sein Heimatland zunächst im Rahmen eines Stipendiums in Richtung Deutschland. Später verlegte er seinen Wohnsitz kompletthierher. 

Auch hier war musikalisch die breite Straße seine Wahl, Bellibone taufte er sein Vehikel. Breiter, im amerikanischen Alternative-Underground verwurzelter Indie-Rock, verlangte auch eindeutig nach einer Band. Doch Menschen verändern sich, Künstler reifen und irgendwann hatte Gerber Songs in petto, die nach Luft unter den Flügeln verlangten, keine große Kulisse mehr brauchten. Und Craig hatte den Mut, den schmalen Weg zu beschreiten: Nur mit einer Akustikgitarre, einer Mundharmonika. Begleitet von seinen Songs, die es ihm durch leisen Glanz danken. Time Has Come.

Craig Gerber hat ein Händchen für passende Album-Titel bereits bewiesen. Sein erstes Solo-Album taufte er „Time Has Come“. In der Tat war die Zeit gekommen, als Solo-Künstler durch zu starten und sich als Songwriter der feinsten amerikanischen Tradition zu beweisen. Drei Jahre später ist er ein etablierter Künstler und hat auf seinem zweiten Album „Leaving Tonight“ elf großartige Titel, die Gerbers Weg zu sich und seinem eigenen Sound eindrucksvoll darlegen.

Das Album „Leaving Tonight“ ist selbst eine musikalische Reise. Der US-Amerikaner bewegt sich hin zu seinen eigenen musikalischen Wurzeln: zu der Amerikanischen Tradition. Warme Pedal Steel ergänzt eine Country-Twang-Telecaster. Akustik-Balladen mit Cello untermalt erzählen Geschichten vom Unterwegssein, Endeckung und Offenbarung. Einsame Bekenntnisse treffen auf Gassenhauer. Und es rockt. Es ist ein Abschließen mit der Vergangenheit, doch man schaut hier nicht zurück, sondern nach Vorne.

Der Titelsong „Leaving Tonight“ ist eine Hymne über Neuanfänge, Freiheit und ein einfacheres Leben. Es ist ein bescheidenes Meisterstück, jedoch mit einer Aussage, die laut und deutlich ist. Es fängt klein an, mit einem intimen Geständnis und endet mit einer absolut unmissverständlichen Erklärung: „We don’t need anything, we’re traveling light / We’re leaving tonight, yes, we’re leaving tonight“. Ein unglaublich starker Song, der erahnen lässt, was Craig Gerber noch alles auf dem Kasten hat.

“Songes d’une nuit” -z. dt. “Träume einer Nacht"- von Louva Marguerite ist eine Reise durch das Reich der Träume, das den Zuhörer sowohl musikalisch als auch emotional in verschiedene Welten entführt: Von tiefem Schmerz und Wehmut über wohlig-schaurige Melancholie, sorgenfreiem Laissez-faire-Feeling, bis hin zu euphorischem Übermut und purem Glück, das in die Welt hinausgeschrien werden will, ist alles mit dabei.

Der Einsatz verschiedenster Instrumente - Gitarre, Piano, Schlagzeug, Cello, Geige und diverse Flöten - unterstreicht diesen Facettenreichtum zusätzlich. Dass neben nahegelegenen Gefilden auch ferne geografische Ziele wie Frankreich und Südamerika bei dieser Reise anvisiert werden, schlägt sich außerdem in der Sprache der einzelnen Songs nieder: Mal wird auf Deutsch, mal auf Französisch, mal auf Spanisch von der großen weiten Welt erzählt.

Sowohl der verträumte Zuhörer, der bei einem Glas Rotwein mit auf diese Reise vorbei an rothaarigen Feen, lateinamerikanischen Tänzern, zu Mensch gewordenem Himbeereis und in vom Morgentau noch feuchten Straßen streunenden Katzen mitgenommen werden will, als auch der zum lauten Mitsingen bereite, sich im wilden Tanz verausgabende Musikliebhaber kommt bei diesem neuen Album vollends auf seine Kosten.

Nun heißt es Eintauchen in diese nur im Traum möglich scheinende Welt und mit “Songes d’une nuit” die Nacht zum Tag machen!

Intelligenz, Geschichtsbewusstsein, Gefühl und purer Spaß treffen hier aufeinander. Der Philosoph, Kirchengeschichtler und Popkünstler Fredrik Forsblad sinniert in seinen Popsongs über die ewige Kraft des Eros, perverse Kardinäle und das eigene Ableben gleichermaßen (manchmal sogar auf Latein).

Seine 1985 gegründete Band, mit Organist Juha Varpio als Spielmacher, fetzt live los, dass die Knochen krachen. Die vorliegende CD wurde live auf dem legendären "Brennzeichen-D" Festival im Feierwerk/München, Februar 1993 aufgenommen.

Heutzutage ist Fredrik Forsblad sehr erfolgreich mit seinem Projekt "Beathotel" unterwegs.

"Back & Forth" ist das fünfte Album der Münchner Band Beathotel und zugleich das erste, das vorwiegend mit Akustikinstrumenten aufgenommen worden ist. Die Rickenbacker-Gitarren wurden zur Seite gelegt und gegen Westerngitarren, Kontrabass und weitere sublimere Instrumente getauscht wie Geige, Klavier, Sitar und indisches Harmonium. Ziel war, mit leiseren Tönen feinere Nuancen aus den eigenen Nummern zu kitzeln, ohne dabei den Spirit der Sixties zu leugnen.

Aufgenommen wurden insgesamt 14 Lieder in Fredrik Forsbergs Beatheaven-Studio, darunter auch drei Coverversionen. Beim Hören des Albums spürt man die Freude und Energie. Gleich der Opener und zugleich die erste Singleauskopplung "Colours Paint The World" gibt die Richtung an. Schnörkelloser Beatpowerpop, der mit Mandolinen-Solo und geradem Beat schmissig nach vorne läuft. "Walk With Me", gesungen von Norbert, zeigt die Nähe zum Rock'n'Roll und lädt mit seinem dreistimmigen Chorus zum Mitsingen ein. Der Titelsong "Back & Forth" weicht von der gewohnten Richtung ab und streift mit seinen gespreizten Klavierakkorden und den Dynamikwechseln Jazzterrain. Ruhiger geht es an bei "Long Lane That Has No Turning", komponiert und vorgetragen von Maestro Anselm Soos, der mit seiner sonoren Stimme die Herzen vieler Frauen zum Schwingen bringt. „Hare Krshna Mantra“ ist eines der drei Cover auf dem Album. Wer es hört, denkt sofort an George Harrison und den Radha Krsna Temple.

Beathotels Acoustic-Trip hat sich gelohnt: Von einfacher Von puristischer Gitarrenbegleitung in flat picking Manier bis hin zur vollen Instrumental-Breitseite wird alles geboten. Einige Stücke klingen filigran akustisch, andere wiederum haben eine Dichte, die vergessen lässt, dass es sich um ein Akustikalbum handelt. Aber es ist eins, und zwar ein gelungenes ...

Die Band, deren Name in Anlehnung an Tom Waits' Ballade entstand, steht für absolut handgemachte Musik. Dunkel, warm, ehrlich, mal laut, mal leise und auch mal mit einem Augenzwinkern. Eva Maria Balkenhol (Gesang und Cajon) und Thomas Michael Körber (Gitarre) schreiben eigene Songs, inspiriert vom guten alten Rhythm'n'Blues und Rock. Bemerkenswert sind Körbers Gitarrensoli, die, sowohl gefühlvoll als auch explosiv, das Gefühl jedes einzelnen Songs transportieren. Ebenso entwaffnend rührend sind die mit viel Liebe gesungenen selbst kreierten Texte, in denen Balkenhol in ihrer ihr eigenen Poesie von Einsamkeit, dem nicht Hineinpassen in diese von Hektik und Oberflächlichkeit geprägten Welt singt, uns mit ihrer Stimme umarmt und mit jeder Note ins Herz trifft. Grapefruit Moon klingen mal soulig, mal filigran, mal rockig, mal wütend und sogar auch mal funky. Mit viel Liebe zum Detail schufen sie mit "Silence" ein Album, das sowohl mutig, experimentierfreudig und vielseitig ist als auch einen unverwechselbar eigenen Stil und Sound besitzt, der eben nicht nur für musikalisch versierte Menschen, sondern eben auch für jeden offenherzigen Hörer absolut genieß- und hörbar ist.

1993 gründete sich die australische Formation "Eleven Of Hearts" aus den Musikern Dee Rogers, Macdonald Hamilton und Christene Carol. In verschiedenen Projekten haben die drei schon zusammengearbeitet, bevor sie "Eleven Of Hearts" aus der Taufe hoben. Alle drei haben einen außergewöhnlich musikalischen Background, der von Rockmusik bis hin zu Klassik reicht. Ihr erstes Album "Secret Dreams" (Prudence 398.6502.2 / RTD) produzierten sie im eigenen Studio. Das Album wurde weltweit veröffentlicht und erhielt überall herausragende Kritiken.

Dee Rogers, Gründerin von "Eleven Of Hearts" schrieb bisher über 1000 Kompositionen, spielt Piano und Flöte und aus dem Reichtum ihrer Kompositionen bedienten sich Eleven Of Hearts auch für das neue Album "One Love", das dem Zuhörer eine mystische und magische Welt, die an alte Sagen im Stile der Fabel um König Artus erinnert, eröffnet. Die großen Archetypen des Geschichten- und Märchenerzählens um Göttinnen, Jungfrauen, Könige oder Ritter finden sich in Vers und Rhythmus wiedervereint.

In "One Love" zeigen sich sphärische Gesänge, wunderschöne Duette und Instrumentalsongs so variationsreich wie es die Vielzahl an Instrumenten - Flöten, Violinen, Synthi- Gitarren, Celli, Mandolinen, Congas und warme Klavierklänge - vermuten lassen.

Mit "One Love" setzen Eleven Of Hearts ihren Weg kontinuierlich fort, doch sind einige bemerkenswerte Veränderungen zu bemerken: Die Gesangestalente Denys Mason und Katie Coogan - Mason haben ihr musikalisches Können in die Waagschale gelegt. Cellist Adrian Wallis und Violinistin Alexandria D'Elia stärken und erweitern die instrumentale Seite der Band.

Wie passt amerikanischer Country-Rock zu einem italienischen Weinfest? Am 15. August 2015 hieß es im Andreasstadel zu Regensburg Vino statt Whiskey! Die Enoteca Italiana veranstaltete ein Open-Air, das sich sehen, schmecken und hören ließ. Nicht umsonst gilt dieser Tag in Italien als „der heißeste des Sommers“: Veranstalter und Musiker sorgten für ein unvergessliches Flair, für eine Prise Woodstock-Stimmung an den Donau-Auen der bayerischen Welterbe-Stadt.

Die „Silver Dollar Babies“ (sie haben ihre Wurzeln in Regensburg/Bayern) verschmelzen in eigenen und adaptierten Songs unterschiedliche Genres und Jahrzehnte der Musik-Geschichte in abwechslungsreichen, liebevoll arrangierten Stücken, die in der vorliegenden Live-Aufnahme vor Leidenschaft und Spielfreude nur so überschäumen.

Happy Tröster, Christian Veith, Christian Koller, Peter Perzlmaier und Moni Berger nehmen sich eines breiten Spektrums der britischen und amerikanischen Roots-, Blues-, Country-, Rock- und Popmusik an. Sie präsentieren ihre Songs auf Akustik-Instrumenten (Gitarre, Mandoline, Dobro, Kontrabass und – außergewöhnlich - einer böhmischen Hakenharfe) in Singer-Songwriter-Manier und legen sehr großen Wert auf mehrstimmigen Harmoniegesang.

Douglas Datwyler studierte seine Gitarrenkunst unter so berühmten Lehrmeistern wie Jack Petersen an der North Texas State University, Jackie King, und vor allem Jazz-Gigant Herb Ellis. Als er sein Gitarrenspiel schließlich zum vollendeten Ausdrucksmittel seiner Gefühle und Gedanken gemacht hatte, zog Datwyler nach Los Angeles, wo er von der legendären Motown-Soulband The Commodores entdeckt wurde, für die er schließlich sieben Jahre auf der Bühne und im Studio arbeitete. Die Eindrücke seiner ausgedehnten Konzertreisen durch tropische Regionen Afrikas und Südamerikas spiegeln sich im sanften, vom Latin-Jazz inspirierten Sound seines Debütalbums 'Tropical Paradise' wieder.

Der einstige Reggae- und Skaorientierte Stil der Band führte die Los Burritos zu einer Vielzahl von erfolgreichen Auftritten, u.a. im Umfeld der Kajakszene (z.Bsp. Lofer und Birmingham).Die aktuelle CD "On our Way to meet the Sun" zeigt die Band im Wandel, immer auf der Flucht vor dem Klischee, auf der Suche nach dem perfekten Song.

Die dänische Sängerin Helene Horlyck gilt Kennern in ganz Europa als eine der interessantesten Vokalistinnen im Bereich des Pop/Klassik-Crossover. Vor allem in der britischen Studioszene hat man ihre Stimmkunst, Vielseitigkeit und ihren musikalischen Geschmack schätzen gelernt – seit Jahren ist sie dort ein stark gefragter Studiogast für so unterschiedliche Topacts wie Paul Oakenfold, Basement Jaxx, Jimmy Cliff, Chris de Burgh oder Apollo 440. In der Welt der Ambient Music hat die klassisch ausgebildete Sängerin vor allem durch ihre Mitwirkung an zwei Projekten des dänischen Produzenten und langjährigen Enigma-Co-Producers Jens Gad auf sich aufmerksam gemacht: dem international gefeierten Debüt seines Projekts Achillea im Jahre 2005 und auf seinem Solo-Album „Le Spa Sonique".

Doch die Zeit war längst überfällig für Helenes eigenes Debütwerk: Auf „A Nordic Room“ präsentiert sie eine so noch nie gehörte Kombination aus Oper, Pop und Ambient Music, die sowohl Chill Out - Music-Fans als auch Freunde kultivierten Pop-Klassik-Crossovers begeistern wird.

Im Jahre 1998 veröffentlichte das einstige Ton Steine Scherben-Mitglied Dirk Schlömer, Komponist, Produzent, Gitarrist und Sänger, zusammen mit der Sängerin, Malerin und Yoga-Lehrerin Raphaela Hermes das gleichnamige Debut-Album des neugegründeten Projektes Stella Maris. Mystery-Pop nannten sie diese suchtbildende Mischung aus Ethno, Dark Wave und sakraler Musik im lockeren Gewand des Pop! Das Album verkaufte sich weltweit, vor allem in Asien, aber auch in Spanien und Benelux. Tracks daraus waren auf zahlreichen Mystic- Mittelalter- etc. Kopplungen vertreten. Doch die intensive Zusammenarbeit des Duos Schlömer/Hermes hatte sich bereits im nächsten Jahr auf das ambitionierte Projekt `Das Zeichen´ verlagert. So war Stella Maris, zwar erfolgreich, aber doch in der Warteschleife und wäre möglicherweise dort geblieben, hätten die beiden Protagonisten nicht im Jahre 2003, nach dem III. Zeichen-Album `The Apsara Tapes´, ihre Zusammenarbeit beendet. Dirk Schlömer, ohnehin Mastermind hinter all diesen Werken, entschloss sich, diesmal mit mehreren, auch stilistisch verschiedenen Sängerinnen zu arbeiten, um so auch die kulturelle Vielfalt von Stella Maris noch besser ausdrücken zu können. So begann die ungewöhnliche Arbeit an einem faszinierenden Album, die Wiedergeburt des Sternes der Meere: “To The Promised Land”.

Gemeinsam mit einigen sehr erfolgreichen, aber auch eigenständigen Künstlerinnen wie Alquimia, Kerstin Blodig, Louisa John-Krol, aber auch seiner Tochter Maria hat Schlömer diesmal eine Reise in die Welt der großen Kulturen und Naturreligionen geschaffen, die aber immer dem Pop-Song treu bleibt, Mystery-Pop eben, geheimnisvoll, weihevoll aber auch äußerst kurzweilig. Die fünf Interpretinnen machen, jede auf ihre Art und in ihrer Sprache (Englisch, Spanisch, Norwegisch, Französisch, Lateinisch und nicht zuletzt Fantastisch(!) den Zauber weiblicher Energie spürbar.

Es entstand ein Panorama der spirituellen Vielfalt am Anfang des III. Jahrtausends: So trifft in dem Titel `Miserere´ eines der legendärsten Chor-Werke aus dem Repertoire der Sixtinischen Kapelle auf den Klang der indischen Dilruba, gespielt von Timothy Campling, so rappen Dirk & Alquimia im Titelstück zur mittelalterlichen Gitarre, bis sich Alquimia in einen vielstimmigen Ethno-Chant steigert, angespornt vom Obertongesang der mongolischen Steppe. “To The Promised Land” ist ein Album über die Liebe – die Liebe zur sakralen Musik die Liebe zu den Klängen der großen Kulturen und zum Song, zum Pop-Song, vor allem aber zum Gesang, zum Chorgesang und zur weiblichen Stimme, zur Stimme der weiblichen Intuition.